Al límite con Mel Gibson

Por Chacal

FICHA TÉCNICA

Título: Al límite
Título original: Edge of Darkness
Dirección: Martin Campbell
País: Estados Unidos
Año: 2010
Fecha de estreno: 26/02/2010
Duración: 126 min.
Género: Drama, Thriller
Reparto: Mel Gibson, Ray Winstone, Danny Huston, Shawn Roberts, Peter Hermann, Caterina Scorsone, Frank Grillo, Gbenga Akinnagbe, Jay O. Sanders, Bojana Novakovic
Guión: Andrew Bovell, William Monahan
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Warner Bros. Pictures, BBC Films, Icon Productions, GK Films

SINOPSIS

El detective especializado en homicidios Thomas Craven (Mel Gibson) se reencuentra con su hija Emma (Bojana Novakovic) después de un tiempo separados. Pero el mismo día en que Thomas va a buscarla al aeropuerto, Emma es asesinada. En principio todo apunta a que el auténtico objetivo era matar a Thomas. Pero poco a poco se descubre la verdad: Emma era una amenaza para los Estados Unidos y no interesaba que siguiera viviendo. ¿Por qué?

CRÍTICA

Aunque su estatus de estrella continua, la verdad es que hacía ya ocho años que no veíamos a Mel Gibson en una pantalla de cine (fue Señales de M.Night Shayamalan donde ocurrió). Eso si, desde entonces hemos disfrutado de su vertiente como director, con películas tan polémicas o fuera de lo común como La Pasión de Cristo o Apocalypto. Pero ahora ha decidido volver con este thriller dirigido por Martin Campbell, y acompañado en el reparto por actores tan solventes como Ray Winstone o Danny Huston.

Con la horrible traducción española de Al límite (su título original es The edge of darkness) el film me ha resultado sorprendentemente decepcionante, no hasta el punto de suspender pero si para ser una película que teniendo en cuenta su función principal (ante todo entretener) lo hace de manera bastante intermitente, dependiendo de por donde circule la acción del film en ese momento. Y es que lo que en un principio pensaba yo que sería un film de venganzas personales (que, en el fondo, es lo que es) resulta que me he encontrado una variante de Erin Brockovich, donde en lugar de ver a Julia Roberts mostrando escote, nos encontramos a Mel Gibson repartiendo estopa. ¿Cual es entonces el problema?

Al límite es un thriller adulto, en lo que influye tambien la edad de su protagonista, que ya no está para ir pegando saltos por ahi. PERO (y como veis es un gran "pero") la película quiere mezclarme la seriedad de propuestas como Harry Brown (el film de venganzas protagonizado por Michael Caine) con el estilo de una aventura de Punisher, lo cual no tendría problemas si no fuera por lo descompensado de la citada mezcla, que nos da más de lo primero que de lo segundo, provocando graves altibajos en el ritmo de una historia que en algunos momentos no puede esconder su origen televisivo.

Pese a ello no puedo suspender a un film que más o menos sabe mantener un ritmo coherente, y cuyo interés sube muchos enteros en sus (por otro lado) escasas escenas de acción, destacando sin duda la final. Asimismo aunque sea un film al servicio de la estrella protagonista, aqui nos reencontramos con el Mel Gibson más arquetípico en su versión de padre vengador, pero el actor consigue una interpretación creible, ya que sabiendo sus carencias interpretativas, sabe dotar al personaje de los rasgos más característicos y apreciables en un personaje de este estilo (atención a la escena de la muerte de su hija en la ficción, donde el actor demuestra una vertiente dramática muy creible)

LO MEJOR: Mel Gibson, que sabe dotar a su personaje de lo que debe en un film de estas características. Asimismo las escasas escenas de acción, como la que motiva la venganza del protagonista (donde el actor demuestra un dramatismo sobrecogedor) o la del final, en el plan vengativo que (lamentablemente) no tiene gran parte del resto de la película.

LO PEOR: Los films sobre venganzas personales uno ya se imagina por los derroteros que circularán, pero aqui hay cierta descompensación entre el tramo más discursivo y el de acción, provocando en bastantes momentos cierta falta de interés ante lo que circula en pantalla.


¡Leelo Completo!
Bookmark and Share
Print

Shutter Island de Martin Scorsese

Por Chacal

FICHA TÉCNICA

Título: Shutter Island
Título original: Shutter Island
Dirección: Martin Scorsese
País: Estados Unidos
Año: 2009
Fecha de estreno: 19/02/2010
Duración: 140 min.
Género: Drama, Thriller, Intriga
Calificación: No recomendada para menores de 18 años
Reparto: Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Emily Mortimer, Michelle Williams, Max von Sydow, Jackie Earle Haley, Elias Koteas, Patricia Clarkson, Ted Levine
Guión: Laeta Kalogridis
Distribuidora: Vértice Cine
Productora: Paramount Pictures, Phoenix Pictures, Appian Way, Hollywood Gang Productions, Sikelia Productions

SINOPSIS

En el año 1954, el policía estadounidense Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) acude a Shutter Island con una misión especial: investigar la repentina desaparición de una asesina que estaba internada en el hospital de enfermos mentales. La película supone la cuarta colaboración entre Martin Scorsese y Leonardo DiCaprio.

CRÍTICA

La fructífera relación entre Martin Scorsese como director y Leonardo DiCaprio como actor continua en este film, la cuarta colaboración de ambos en conjunto (las anteriores recordemos que fueron Gangs of New York, El aviador e Infiltrados). En esta ocasión adaptan una novela de Dennis Lehane, autor conocido por el gran público desde que Clint Eastwood adaptara otra obra suya, Mystic River. Y si ya los resultados de la citada película fueron (al menos para un humilde servidor) realmente memorables (de hecho casi me atrevería a decir que Mystic River fue la mejor película de su año de estreno) otro tanto me he encontrado aqui: Shutter Island es una gran obra de todo un gran maestro como Scorsese. Eso si, CASI digna de matricula de honor... pero casi.

En esta ocasión Scorsese demuestra su gran trabajo y experiencia con un film que te atrapa desde sus primeras imágenes, cuando ya todo indica que algo se nos está escondiendo y que el ambiente desprende una falsa normalidad. El misterio y el suspense están muy bien llevados, incluso cuando uno ya empieza a pensar que las cosas van a girar hacia una determinada dirección, por muy improbable que parezca (momento este en que a uno se le puede pasar por la mente algún argumento similar en series como La Dimensión Desconocida). Con un estilo y una estética clásica, que por momentos recuerda al mejor Hitchcock, el gran Scorsese consigue sacar lo mejor de sus actores, y es que no sólo citaría al DiCaprio protagonista (todo un gran actor que ya ha demostrado su valía más allá del éxito que le proporcionó Titanic) sino que también son destacables, en menor o mayor duración, las presencias de Ben Kingsley, Mark Ruffalo, Max Von Sydow y Jackie Earle Haley (actor este último que viéndolo como Rorschach en Watchmen o imaginándoselo como Freddy Kruger nos hace pensar si se especializará en papeles de personas con problemas mentales... ya que ese es su rol en Shutter Island)

¿Que hace grande a una película como esta? Que te atrape, que desde el principio te quedes enganchado hacia la historia que te están contando y de la manera en la que te la están contando. Y sobretodo que provoque interés al espectador por conocer la obra que hay detrás (la novela en este caso) y que ha sido adaptada en ese formato. Scorsese lo sabe y lo logra, dando toda una sabia lección de dirección (incluidos sus actores) en un film que, pese a todo, es CASI excelente. Pero lamentablemente tal nota máxima no la consigue al pecar de lo que la mayoría de cine estrenado por estos tiempos suelen tener como error mayúsculo: una dilatación temporal totalmente innecesaria. Aún así no sabría determinar que sobra en la historia, aunque el tramo final se me hizo a mi un poco repetitivo teniendo en cuenta que lo que me querian decir ya lo habian hecho antes.

Pero si obviamos esa duración hipertrofiada, el resultado final es uno de los mejores dramas psicológicos de misterio que he visto en mucho tiempo, y aunque hablo sin haber leído la novela en la que se basa (cosa que pretendo remediar pronto, ya la tengo reservada en la biblioteca) si valoramos los libros según la calidad de los films resultantes (Mystic River primero y ahora Shutter Island) la calidad del autor de ambos bet-sellers es sin duda alguna digna de seguir. O quizás es que ha tenido la suerte de contar con directores tan talentosos como Eastwood o Scorsese, de cara a darle rostro a los personajes de sus novelas.

LO MEJOR: Casi todo, la dirección es adecuada y por momentos sobresaliente, los actores estan todos bien, el suspense está muy bien llevado (que nadie se lleve a errores porque no hay nada del terror que anuncian por según que sitios, sería sobretodo un drama de suspense psicológico). Y bueno, casi todo el elenco actoral está acertadísimo en sus interpretaciones, la historia es entretenidísima y consigue engancharte bien pronto, y la calidad visual del film es digna de mérito (con mención especial a las escenas oníricas del protagonista).

LO PEOR: Casi nada, pero principalmente cuando en el tramo final ya se ha dado la gran sorpresa sobre cierto hecho, demasiado recalcado de ahi hasta su conclusión.

NOTA: He procurado hacer una crítica sin spoilers, espero haberlo conseguido. De todas maneras sois libres de poner en los comentarios lo que querais, ya que estoy viendo en las estadísticas de este blog que me entran visitas por gente que no entiende el final del film. Asi, dado el caso, se pueden contrastar opiniones.


¡Leelo Completo!
Bookmark and Share
Print

El Hombre Lobo de Joe Johnston

Por Chacal

FICHA TÉCNICA

Título: El hombre lobo
Título original: The wolf man
Dirección: Joe Johnston
País: Estados Unidos
Año: 2009
Fecha de estreno: 12/02/2010
Duración: 104 min.
Género: Thriller, Terror
Calificación: No recomendada para menores de 13 años
Reparto: Emily Blunt, Benicio del Toro, Anthony Hopkins, Hugo Weaving, Geraldine Chaplin, Art Malik, Kiran Shah, Elizabeth Croft, Sam Hazeldine, David Sterne
Guión: Andrew Kevin Walker, David Self
Distribuidora: Universal Pictures
Productora: Universal Pictures, Stuber Productions

SINOPSIS

Lawrence Talbot (Benicio del Toro) es un noble que debe regresar con su familia, muy a su pesar, tras la desaparición de su hermano. La vuelta a casa le hará recordar que está enemistado con su padre (Anthony Hopkins) y que perdió su juventud el día que murió su querida madre.

Pero ahora debe atender a su hermano, a la prometida de éste (Emily Blunt) y a los extraños sucesos que tienen lugar en el pueblo, donde los vecinos están siendo atacados por "algo" que impregna de sangre el ambiente. Lo que no sabe Lawrence es que él puede ser más peligroso todavía.

CRÍTICA

Hubo un tiempo, hace ya décadas, en que los monstruos consiguieron asustar a toda una generación, más inocente que la actual y por lo tanto más impresionable. Eran los tiempos de Drácula, Frankenstein, la Momia o el Hombre Lobo, por poner sólo unos ejemplos. Pero el mundo evoluciona, las generaciones van teniendo un mayor nivel de información, y por lo tanto los miedos que asustaban a nuestros abuelos ya no nos inquietan, ya no nos asustan, ya pierden.... ¿su razón de ser? No... si se saben tratar.

En el género del terror probablemente la criatura más revisionada una y otra vez han sido los vampiros, pudiendo ir los resultados y la calidad en función de lo que uno espere (y sino compárense los de las películas Crepúsculo, 30 días de oscuridad, Blade o Drácula de Francis Ford Coppola, todos ellos los mismos personajes pero desde diferentes puntos de vista) En ese sentido la última que he citado es el mejor ejemplo de cómo reinventar para las nuevas generaciones todo un clásico del miedo, transformándolo en un drama romántico y épico realmente digno de ser una de las mejores películas de las últimas décadas (al menos bajo la humilde opinión de este servidor). Parte del mérito, como no, hay que adjudicárselo a Coppola, que supo insuflar en la cinta un toque personal, al que ayudaron unos actores en estado de gracia (incluso el muchas veces criticado Keanu Reeves hizo aquí uno de sus mejores papeles, nuevamente bajo mi humilde opinión). Ese género revisionista continuó con el Frankenstein de Kenneth Branagh, de un estilo parecido al Drácula Coppoliano en cuanto a drama romántico de época con toques de terror. Lamentablemente la grandilocuencia propia de su director provocó un resultado final con tantos admiradores como detractores, a lo que hay que sumar un fracaso en taquilla al competir (y perder) con el estreno de Entrevista con el vampiro (el preludio más claro a la actual y famosa Saga Crepúsculo)

En este revival noventero que hubo de esos famosos monstruos (Drácula es de 1992 y Frankenstein de 1994) se podría añadir (aunque con reservas) La Momia protagonizada por Brendar Fraser en 1999, pero su tono más aventurero que asustador creo que la aparta bastante de la concepción original del personaje. Por eso parecía que no habría más retornos a los viejos estilos, hasta que llegó esta El Hombre Lobo, remake del clásico de 1941. El film de Joe Johnston vendría a continuar el revival iniciado por el film de Coppola y continuado con Branagh, aquí con una de las criaturas más famosas de la mitología del terror, pero también una de las que ha corrido peor suerte en pantalla (¿cuántos títulos DESTACABLES ha habido con hombres-lobo de protagonistas? Me parece que los que merecen la pena se pueden contar con los dedos de una mano).

La esperanza (al menos la mía) era el encontrarme con algo al mismo nivel que los dos films de los noventa antes citados, cosa que tengo que decir que si me han dado en el apartado visual... aunque no en el argumental. Con una montaña de incidencias hasta que por fin ha visto la luz (cambio de director, varios retrasos en su fecha de estreno, etc.), el mayor problema del que cojea este Hombre Lobo es sin duda su guión, y es que lejos de complejidades góticas o dramas filosóficos, aquí simplemente tenemos un drama familiar que interrelaciona a los cuatro protagonistas de la película (o sea, Benicio del Toro como el protagonista, Anthony Hopkins como su padre, Emily Blunt como su amada y Hugo Weaving como el inspector que lo persigue) No habría problema en ello si no fuera porque en los 104 minutos de metraje los personajes apenas son esbozados, sin una progresión que los haga no sólo creíbles, sino empatizables: sirva como ejemplo la apenas episódica relación entre los personajes de Benicio del Toro y Emily Blunt, lo poco (tirando a nada) que se desarrolla al Inspector Abberline interpretado por Weaving (máxime cuando fue un personaje real que investigó el famoso caso de Jack el Destripador) o lo poco que se profundiza en el personaje de Anthony Hopkins, por momentos más interesante que el mismo protagonista. Incluso la (relativa) mayor sorpresa que nos da la historia (el saber quien es el otro Hombre Lobo de la historia) peca de ser previsible de manera muy clara. Eso si, hay que agradecerle unas escenas de acción donde en los ataques del licántropo la sangre corre a mansalva (cosa que es lo lógico y lo normal.... pero todos sabemos los tiempos tan hipócritamente censurables en los que vivimos, en especial en los Estados Unidos, país de origen de la película)

Puede que en el fondo sólo hayan buscado realizar un film que contente al mayor público posible (cogiendo por tanto el camino de la sencillez y la simplicidad), pero con los materiales con los que partía y el reparto que tenía, sin duda alguna le queda a uno la sensación de que este Hombre Lobo se ha quedado a medias de lo que podía haber sido (un film al nivel de la obra maestra del Drácula de Coppola, o el destacable resultado del Frankenstein de Branagh) para convertirse en un mero entretenimiento, eficaz y con el que uno no se aburre, aunque sin detalles que lo hagan perdurable en la memoria (salvo quizás, como he citado antes, los brutales ataques del licántropo). Y eso pese a que las labores de vestuario, fotografía, maquillaje, banda sonora, efectos especiales, etc son magníficas, sobretodo con un Hombre Lobo tan respetuoso con el original (encarnado por Lon Chaney) como creíble teniendo en cuenta los tiempos en los que vivimos, en los que los espectadores han perdido la inocencia que citaba al principio de este comentario, y por lo tanto quieren algo que parezca real y no un burdo maquillaje. Parte de ese mérito va sin duda para Rick Baker y su equipo, cuya labor es digna de mérito (atención a la bestial transformación, realmente asombrosa), pero lamentablemente tanto eso que el resto de detalles no consiguen mantener una película a la que Johnston no parece haber aportado nada más allá de un nombre en la silla del director (detalles a priori tan interesantes como que la licantropía sea tratada como una enfermedad mental apenas son simplemente esbozados como preámbulo a uno de los ataques de la bestia). Por lo tanto sin garra ni fuerza en su historia como para atrapar al espectador, el film se convierte simplemente en una película más, a la que salvan sin duda más los detalles secundarios que por lo que es en si el film. ¿Qué hubiera hecho con este material Mark Romanek, su responsable inicial, u otro director con toques personales como por ejemplo Tim Burton? Ante eso sólo nos queda especular.

LO MEJOR: Los actores masculinos (Emily Blunt no es que lo haga mal, simplemente es que su personaje es el más flojito de los cuatro principales). También los detalles propios de un film de estas características (decorados, fotografia, vestuario, etc.) con especial mención a los efectos especiales y de maquillaje a cargo del maestro Rick Baker.

LO PEOR: Con una base y unos elementos como para crear una gran película, el resultado final peca de simple y previsible (aún siendo eficaz y entretenido), probablemente por culpa de su accidentada post-producción así como del impersonal tratamiento de su director en el producto final.


¡Leelo Completo!
Bookmark and Share
Print

Los Mayores Temores Mundiales: ¡Los Juguetes Asesinos!

Por X

Demasiado obvio


Demasiado simple
(esperen a ver lo de la próxima semana)


Demasiado complicado!


Demasiado feo!
(hey, no te hemos visto en otra parte?)



Ah! Estos deben ser....

Fue difícil determinarlo y generó mucha discusión, pero en realidad era obvio. Qué puede ser capaz de atemorizarnos más que la idea de que algo malo le ocurra a nuestros hijos??? Por eso, al finalizar nuestra cuenta regresiva presentamos en el puesto numero uno:


LA PINTURA DE PLOMO EN LOS JUGUETES

En el 2007, Mattel tuvo que retirar de las perchas más de 9 millones de juguetes que contenían pintura de plomo, que puede causar atrofia en el desarrollo cerebral de los niños. Este retiro fue seguido por otros de distintas empresas de juguetes, cada una de las cuales había descubierto plomo en sus pinturas.

La responsabilidad cayó sobre los relajados estándares de seguridad de las fábricas chinas. Más del 70% de los juguetes vendidos en el mundo son favricados en China, lejos de las regulaciones americanas o europeas.

Mattel llegó a un acuerdo por $12 millones con 39 jueces estatales por su papel en el asunto y el Congreso de U.S.A. pasó nuevas regulaciones de seguridad, diseñadas para controlar mejor las importaciones.


La proxima semana: Iniciamos una nueva cuenta regresiva con LOS 10 PEORES ACCIDENTES DE LA HISTORIA


¡Leelo Completo!
Bookmark and Share
Print

El Sueño de Hierro

Por Israel Laureano

El Sueño de Hierro es una novela ucrónica escrita en 1972 por Norman Spinrad.

Portada de la primera edición en español, ed. Minotauro, 1978.


La novela es muy diferente a todo el esquema "normal" de las ucronías en el sentido de que nunca explica el POD (Punto de Divergencia) y desde el principio se habla como si la realidad fuera la historia alterna propuesta: se habla de Hitler como escritor, su última novela "El Señor de la Svastika" escrita en 1953, antes de morir y se establece que sus escritos son bastante populares, y se habla de tiempos tan "sombríos y terribles como los nuestros".

A primera vista la novela "Sueño de Hierro" solamente sirve para presentar la novela "El Señor de la Svástica" escrita por Adolf Hitler en un mundo ucrónico, una historia alterna de una realidad hipotética.
Y sí, "El Señor de la Svástica" tiene todo el estilo que Hitler usó para su libro "Mi lucha", sí, toda la temática, la narrativa plana e infantil, los personajes acartonados, TODO corresponde a la forma de pensar de un fanático sin imaginación, rimbombante, contrahecho -por lo menos moralmente, culturalmente y literariamente.

Y sí, es realmente admirable que Norman Spinrad haya dejado que su mente trabajara como la de los nazis; es realmente sorprendente que haya podido mantener durante toda la novela el estilo plano y triunfalista hitleriano, el ritmo in crescendo desde una prosa pueril y aburrida hasta niveles narrativos verdaderamente histéricos, fanáticos y aterradores (es decir, aterradores para aquellos que ya sabemos hasta qué niveles de locura y crueldad eran capaces los nazistas, y todavía saber que se justificaban a sí mismos autoconvenciéndose que era su "deber moral").

"El Sueño de Hierro", reedición en español a cargo de la editorial Grupo AJEC, 2006, además del contenido original de la edición anterior se han agregado dos ensayos de Spinrad donde aclara algunos puntos del "Sueño de Hierro" desde el punto de vista ideológico y literario.

En su magnífica reseña en el sitio ciencia-ficcion.com, José Suñer Iglesias menciona que "El Señor de la Svástica" llega a producir miedo y aburrimiento por partes iguales; miedo por el nivel de paroxismo nacionalista -al nivel de justificar el asesinato- y aburrimiento por el sentido tan panfletario del escrito, su acartonamiento, su discurso de odio racista. Llega a tales niveles de ridiculez (es verdaderamente destacable que Spinrad esté en los límites de lo que es gramaticalmente aceptable, use frases simplistas y hasta cometa -adrede- faltas de ortografía-gramática-semántica, como poner en boca de Feric Jaggar, su personaje principal, la frase "debe haber un mudo" en vez de "debe haber un modo") que uno solamente puede tomar en serio a "El Señor de la Svástica" como una parodia, como un remedo literario de lo que fue el ascenso de Hitler al poder (todo lo que cuenta la novela SÍ fue lo que pasó en la carrera de Hitler hasta convertirse en líder absoluto de la Alemania nazi, claro con MUCHAS exageraciones literarias y licencias poéticas).

Portada de la primera edición en inglés. Avon Books, 1972.

Al principio Spinrad pensó que el tono exagerado y la evidente estilo de ruptura con su ideología personal iban a ser suficientes para que todos los lectores comprendieran el tono satírico y crítico del "Señor de la Svástica", pero para asegurarse que hasta los lectores históricamente ingenuos y los inconscientes captaran el mensaje, escribió un análisis crítico usando otro personaje: el crítico literario Homer Whipple, de la Universidad de Nueva York; casi todos captaron el objetivo, pero aún sí el Partido Nazi de América lo puso en su índice de lecturas recomendadas y hubo gente y hasta un fanzine que alabó el argumento y la historia, aunque era un poco molesto que hubiera metido todo eso de Hitler.

En lo personal siempre consideré a las novelas "El Hombre en el Castillo" y "Pavana" como las mejores en el campo de la ucronía, pero después de leer "El Sueño de Hierro" tuve que reevaluar mis consideraciones ucrónicas.

Norman Spinrad.


Soñado inge y los férricos malditos.
Meshiko-Tenochtitlan 11.02.10
--------------------- FIN DE TRASMISIÓN ---------------------


¡Leelo Completo!
Bookmark and Share
Print

Tiana y el Sapo (The Princess and the Frog)

Por Chacal

FICHA TÉCNICA

Título: Tiana y el sapo
Título original: The princess and the frog
Dirección: Ron Clements, John Musker
País: Estados Unidos
Año: 2009
Fecha de estreno: 05/02/2010
Duración: 97 min.
Género: Romance, Musical, Familiar, Animación
Calificación: Apta para todos los públicos
Reparto: John Goodman, Terrence Howard, Keith David, Anika Noni Rose, Oprah Winfrey, Jenifer Lewis, Jim Cummings, Bruno Campos, Jennifer Cody, Elizabeth M. Dampier
Distribuidora: Walt Disney Pictures
Productora: Walt Disney Pictures, Walt Disney Animation Studios

SINOPSIS

Las mágicas tierras de Nueva Orleans, en Louisiana, sirven como escenario de este musical de Disney protagonizado por la princesa Tiana (con la voz original de Anika Noni Rose). La joven vivirá una tierna historia de amor, hechizos y sorpresas, acompañada por un cocodrilo cantarín y por las melodías cajun, que no paran de sonar.

CRÍTICA

En el mismo año en que la Disney ha conseguido volver a colocar una película de animación como finalista al Oscar a mejor película (me refiero a Up; la anterior fue La Bella y la Bestia en 1991) también ha sido la fecha escogida para volver al tradicional cine en 2D, abandonado desde hacía seis años cuando Zafarrancho en el rancho fue un fracaso en taquilla (decidiendo por aquel entonces que cerraban el departamento de animación tradicional, concetrándose sólo en la generada por ordenador, que con el sello Pixar les ha valido un éxito tras otro en los últimos años).

¿Y que tal ha sido este "retorno" de la factoria Disney a lo que sin duda alguna les hizo famosos durante décadas? Pues simplemente correcto: a diferencia de Pixar que se arriesgó buscando productos novedosos en cada nueva película (hasta ahora que parece que van por el camino cómodo, con secuelas como las próximas Toy Story 3 y Cars 2) este retorno de Disney a su animación clásica nos da justamente eso, un film CLÁSICO. La historia sería una especie de traslación de la Cenicienta en Nueva Orleans y protagonizado por la primera princesa de color de la factoría, pero el resto cumple todos los esquemas de la casa: ahi están por ejemplo el cocodrilo y la luciérnaga, típicos secundarios simpáticos y característicos de una producción de este estilo. Eso si, tiene ciertos detalles llamativos como que aunque el príncipe busque el amor, lo que le mueva al principio sea el interés (monetario) y el vivir del "gorroneo" (vamos, que ya ni los príncipes son tan ideales como en el pasado).

Eso si, no por ello estamos hablando de una película a menospreciar: como he dicho antes consigue mantener un muy buen ritmo durante su poco más de hora y media de duración, donde abundan los números musicales como en toda producción clásica de Disney (aunque quizás demasiados para el gusto de algunos), obra en este caso de un Randy Newman que envuelve el apartado sonoro de la película con mucho estilo de jazz y cabaret. Por ello el resultado final es una película que cumple a la perfección con el público al que va orientada (el infantil, especialmente las niñas) pero que dejará un poco frios a aquellos que vayan buscando algo novedoso en el estilo de narrarnos este cuento de princesas y sapos, ya que parece como si los creadores del film hubieran preferido ir por camino seguro (lo de siempre como siempre) antes que arriesgarse con novedades que hubieran roto el estilo habitual CLÁSICO de los films Disney, presente en Tiana y el Sapo desde la primera hasta la última imagen.

En el apartado de doblaje destacaría a Javier Gurruchaga, que después de poner voz a la Rana de Ratónpolis hace ahora lo propio con el Doctor Facilier, villano de la función (y en ocasiones más interesante que los propios protagonistas) cuyo aspecto me recordó al Barón Samedi, el malo de Vive y deja morir. No es el único detalle que esconde el argumento, habiendo otros como el evidente homenaje que hacen respectivamente el cocodrilo y la luciernaga con sus nombres a los clásicos Louis Armstrong y Ray Charles (y eso sin citar los guiños autoreferenciales de películas de la misma Disney).

LO MEJOR: Es lo que promete ser (es decir, una película de estilo clásico dentro de lo que normalmente nos estrenaba cada año la Disney)

LO PEOR: El estilo clásico citado en el anterior punto, que no da entrada a novedades sobre una fórmula que funciona pero que... ¿cansa? Eso depende de cada espectador.


¡Leelo Completo!
Bookmark and Share
Print

CORTO: La Teta Caída

Por Víctor Pintado

Mi versión de la película peruana "La Teta Asustada".


¡Leelo Completo!
Bookmark and Share
Print