The lovely bones (Desde mi cielo)

Por Chacal

FICHA TÉCNICA

Título: The lovely bones
Título original: The lovely bones
Dirección: Peter Jackson
País: Reino Unido, Estados Unidos, Nueva Zelanda
Año: 2009
Fecha de estreno: 26/02/2010
Duración: 129 min.
Género: Criminal, Drama, Thriller, Terror, Fantástico
Reparto: Saoirse Ronan, Mark Wahlberg, Rachel Weisz, Stanley Tucci, Susan Sarandon, Nikki SooHoo, Amanda Michalka, Charlie Saxton, Michael Imperioli, Jake Abel
Guión: Fran Walsh, Philippa Boyens, Peter Jackson
Distribuidora: Paramount Pictures
Productora: DreamWorks SKG, WingNut Films, Film4, Key Creatives

SINOPSIS

Susie Salmon (Saoirse Ronan) es una joven que ha sido asesinada y ha subido al cielo. Desde allí ve cómo reacciona su familia ante esta trágica noticia y vigilará los pasos de la persona que la mató. Llegado el momento, Susie deberá elegir entre dos deseos: vengarse de su asesino o ayudar a su familia a salir adelante.

CRÍTICA

Cuando me leí el libro en el que está basada esta película comenté que su argumento me parecía una mezcla entre la serie de televisión Entre fantasmas y la película Ghost, y en ese sentido he de reconocer que su adaptación, teniendo en cuenta el material del que partía, se adecua bastante, dejándome con la misma sensación que me dejó la novela cuando la leí. De todas maneras, y al igual que le pasaba al libro, el conjunto es entretenido pero las diferentes partes que lo componen no concuerdan tan bien como uno esperaría.

Lo más destacable sin duda de la adaptación de Peter Jackson es el tono melodramático que le da al conjunto, por encima del fantástico o del suspense (ambos presentes, aunque en mucha menor medida), lo que coincide con la sensación que me dejó la obra escrita (¿lo apruebo como adaptación? siendo justos la verdad es que si). De los actores sin duda alguna la jovencita Saoirse Ronan está estupenda, como también ocurre con su asesino en la ficción, encarnado por Stanley Tucci; no me extrañaría para nada nominaciones a los próximos Oscars para ambos actores, sin duda alguna lo más destacable de la película. También las labores de ambientación, decorados y vestuario estan muy logradas, situándonos sin problemas en los años 70 en los que está ambientada la historia.

Uno de los problemas más evidentes puede venir por la representación que se hace del cielo en el film, que recuerda bastante a la vista en el film Más allá de los sueños de Vincent Ward y protagonizado por Robin Williams. No me voy a quejar de ello porque era más o menos lo que tenía en mente, pero ese aire bucólico y enternecedor que se le da a esas imágenes puede recordar al estilo de fantasía "blanca" que desprende por ejemplo la serie de televisión Entre fantasmas, lo cual puede dar la sensación de cursilada en muchos espectadores. También colean las interpretaciones de los padres de la protagonista, encarnados por un hierático Mark Wahlberg y una no muy aprovechada Rachel Weisz; el primero porque no te lo acabas de creer en su papel mientras que en el caso de ella si, aunque no se le da tanta cancha como sería deseable. Susan Sarandon tiene a su cargo un papel también muy bien adaptado a como es el personaje en el libro pero que puede conseguir más detractores que otra cosa debido a la forzada parte de comedia que, en parte, introduce en la historia.

Esa sensación ambigua de algo que está bien pero que podía estar mejor la lleva la película a sus últimas consecuencias en el tramo final, donde la escena del beso o del final del personaje encarnado por Stanley Tucci probablemente irritarán a más de un espectador escéptico ante el tono del relato si no han conseguido entrar en el argumento de la película, pero tengo que aclarar que (para bien o para mal) así estaba narrado en la novela, con lo cual como adaptación es respetuosa aunque al mismo tiempo peca de una rigurosidad que la hace previsible para el que ya conozca la historia.

Y es que salvo por la novedad de ver como se trasladaban a imágenes las vivencias del relato de una chica asesinada que cuenta lo que pasa tras su muerte, el film se llega a hacer en ocasiones demasiado dependiente de la época en que se estrena (propicia para premios como por ejemplo los Oscars) lanzando una especie de desesperado grito en pos de nominaciones que no se yo si finalmente conseguirá o no (pese a sus aciertos en su conjunto no se puede decir que sea de las mejores películas del año). Y eso aún reconociendo lo entretenido y correcto del resultado final, así como la buena labor de Peter Jackson como director, en escenas tan bien montadas como la que lleva al asesinato de la protagonista (donde acierta al no mostrar la violencia sino sólo sugerirla) o cuando cerca del final su hermana se interna a escondidas en casa del sospechoso en busca de pruebas (momentos en los que se consigue un ambiente tenso).

En resumidas cuentas, una película digna de verse y/o tenerse en cuenta si uno ha perdido a un ser querido, ya que consuela y reconforta con la visión celestial que nos da. También será un acierto para aquellos que se acerquen a ella buscando sobretodo un melodrama (el género más visible en su historia) pero no convencerá por su trama de suspense (igual de simple como era en la novela original, no en vano bien pronto sabemos el "quien" y el "como") ni por la parte fantástica, puede que demasiado bucólica para según que paladares (a mi me convenció pero tengo dudas de si lo hará en según que espectadores más pragmáticos y descreidos).

LO MEJOR: Saoirse Ronan y Stanley Tucci en el apartado actoral, la hermosa recreación del cielo que hace el director (habrá quien no le guste, pero a mi si me ha convencido) y que en su conjunto la película entretiene, pese a su irregularidad.

LO PEOR: La cohesión entre fantasía y realidad, que en algunos momentos se hace chirriante, así como la sensación general de que está bien pero que podía estar mejor.


¡Leelo Completo!
Bookmark and Share
Print

Brothers

Por Chacal

FICHA TÉCNICA

Título: Brothers
Título original: Brothers
Dirección: Jim Sheridan
País: Estados Unidos
Año: 2009
Fecha de estreno: 05/03/2010
Duración: 105 min.
Género: Drama, Thriller, Bélico
Reparto: Jake Gyllenhaal, Natalie Portman, Tobey Maguire, Clifton Collins Jr., Bailee Madison, Sam Shepard, Mare Winningham, Taylor Geare, Patrick Flueger, Carey Mulligan
Guión: David Benioff
Productora: Palomar Pictures, Relativity Media, Michael De Luca Productions

SINOPSIS

El capitán Sam Cahill (Tobey Maguire) recibe la llamada del ejército de los Estados Unidos para incorporarse a la Guerra de Afganistán. Sam encarga a su hermano Tommy (Jake Gyllenhaal) que cuide de su esposa, Grace (Natalie Portman), y de sus hijos, mientras él está fuera. Tommy acepta sin sospechar que está a punto de caer en un triángulo amoroso del que no sabe si puede o quiere salir.

CRÍTICA

Como en tantas y tantas ocasiones previas, nuevamente estamos ante un remake de Hollywood, en este caso de un film danés que, como en tantas y tantas ocasiones, no he visto. Pero aunque desconozco la original Brothers de Susanne Bier, el tener aqui tras las cámaras a Jim Sheridan y el llamativo trio de protagonistas que tiene la película (Tobey Maguire, Jake Gyllenhaal y Natalie Portman) fue lo que me animó a verla. Y no me arrepiento de ello.

A lo largo de la historia han sido muchos los libros, películas y obras de todo tipo que han hablado sobre la guerra, o para ser más exactos sobre las consecuencias y trastornos mentales de la guerra en la vida de los soldados que vuelven del frente. En ese sentido las hemos visto desde todos los perfiles, y el que nos cuenta la película probablemente no por conocido y previsible es menos desgarrador. Aqui he de hacer un inciso para aplaudir la decisión de hacer hermanos en la ficción a los dos actores protagonistas, ya que aparte del innegable parecido que hay entre ellos está la curiosidad de que muchas veces se ha rumoreado el nombre de Jake Gyllenhaal en caso de que Tobey Maguire abandonara la franquicia de Spiderman.

Uno de los mayores aciertos de Brothers es contarnos una historia compacta y sin fisuras en el tiempo adecuado, ya que en un momento en que parece que la duración de cualquier film se puede dilatar hasta la extenuación, los 105 minutos de esta cinta parecen sorprendentes. Pese a ello el dilema moral y familiar sobre el que se centra la historia queda perfectamente planteado durante su primera hora, siendo el resto del metraje las consecuencias del mismo. En ese punto destacaría yo la escena que se marca Tobey Maguire en la cocina en la parte final de la película, la cual a muchos les puede parecer de un histrionismo digno de Jack Nicholson, pero que personalmente creo que sirve como perfecto ejemplo de la tensa situación mental que arrastra su personaje, con las continuas dudas sobre lo que él cree que ha sucedido y lo que pasó en verdad (sumado a lo que tuvo que hacer él en el frente de batalla).

Como contraste, las interpretaciones de Gyllenhaal y Portman pueden parecer más tranquilas, pero aún así encierran en ellas todo un dramatismo que ira dilatándose a lo largo del metraje, teniendo su punto álgido cuando al final todos los personajes hayan de tomar la decisión de como continuar viviendo este triángulo amoroso. Pero lo que en otras manos podría haber finalizado en una telenovela, Sheridan lo lleva a buen puerto, sin en ningún momento juzgar a sus personajes sino simplemente mostrándonos sus acciones, dejando a juicio del espectador quien cree este que tiene más razón y quien está más equivocado (nunca se juzga como adúltera al personaje de Portman, de aprovechado al de Gyllenhaal o de desequilibrado al de Maguire, pese a que en parte son eso... aunque también mucho más que eso).

Por cierto, aparte de lo acertado del trio protagonista me gustaría también destacar a la jovencita (apenas tiene 10 años) Bailee Madison, quien interpreta a una de las hijas del matrimonio formado por los personajes de Maguire y Portman. Puede pasar bastante inadvertida a lo largo de la película, pero mucha atención a la escena que sirve como detonante final a lo de la tensa situación mental de su padre (en la ficción) y donde su actuación es tan digna o más que la de cualquiera de los actores que comparten cartel con ella.

LO MEJOR: El trio de actores protagonistas (cuarteto si incluimos la escena al final de la jovencita Bailee Madison) junto con la acertada duración del conjunto (sin dilataciones temporales innecesarias) y la correcta labor tras las cámaras del director (no cayendo en el defecto de convertir esto en una telenovela).

LO PEOR: Como remake que es habría que ver la original, que probablemente ahonde más en detalles que aqui sólo se tocan superficialmente. Asimismo tampoco es muy sorprendente a estas alturas hablar de los traumas bélicos en los soldados que vuelven de la batalla.


¡Leelo Completo!
Bookmark and Share
Print

Avatar y los rusos

Por Israel Laureano

Todo empezó con la queja del partido comunista de San Petersburgo contra la película "Avatar", cosa no muy sorprendente, porque al parecer, este partido tiene posiciones extremistas y bastante ridículas que parecen opiniones del abuelo Simpson.

La acusación dice que la trama de "Avatar" roba ideas de la CiFi Soviética, más concretamente: Según los comunistas de San Petersburgo, entre los autores soviéticos de ciencia ficción, cuyas ideas utilizó Cameron, figuran los escritores Iván Efrémov, Kir Bulichev, los hermanos Strugatski y el director de cine Pável Arsiónov.

Iván Efrémov (en occidente a veces deletreamos su nombre como Iván Yefrémov, 1908-1972), fue un paleonólogo ruso que inició sus carrera como cienciaficccioñero hacia 1940, publicó su primer cuento Olgoi-Khorkhoi en 1944 (aunque el libro "Lo Mejor de la Ciencia Ficción Rusa" de Jaques Bergier sitúa un cuento de él "El Camino de los Diamantes" en 1941 (el cuento fue tan influyente que la entonces URSS organizó varias expediciones a Siberia para buscar diamantes). Sus obras más conocidas son los relatos:



"El Corazón de la Serpiente"
escrito en 1958, pero con agregados en 1961 donde la trama principal es el encuentro de una nave estelar con una nave alienígena y la imposibilidad de establecer comunicación y por lo tanto especular si son hostiles o pacíficos.





"Nave de Estrellas"
(1947). El descubrimiento de un hueso de dinosaurio con un hoyo de bala y un cráneo extraterrestre sirve de punto de partida para toda una disertación filosófica-cosmogónica acerca del surgimiento de la inteligencia, evolución planetaria y el destino de las galaxias y toda civilización.



Y la novela: "La Nebulosa de Andrómeda" (1957) donde describe un mundo en el futuro lejano donde ha triunfado el socialismo utópico. Efrémov se dedica a describir en detalle la perfección científica, técnica, cultural (por cierto, muchos críticos y publicaciones socialistas lo criticaron acremente porque en esa sociedad futura ya se han olvidado de los héroes socialistas: Lenin, Marx, etc., y en cambio recuerdan perfectamente a los dioses y héroes de la mitología griega). Efrémov también describe que se han descubierto muchas civilizaciones avanzadas y todas juntas forman lo que él llamó "Gran Círculo". Sorprendentemente no existen los viajes interestelares más rápidos que la luz, así que todas las comunicaciones son por radio y los encuentros entre especies son raras. Su siguiente novela "El Filo de la Navaja" y su relato "El Corazón de la Serpiente" se consideran continuaciones o por lo menos historias situadas en el mismo universo utilizando los mismos elementos para desarrollar su trama.
Hacer un análisis exhaustivo de la obra de Efrémov o un recuento completo de su obra va más allá de los esfuerzos de este blog, suficiente es concluir que su obra toca como temática principal el desarrollo humano bajo una óptica socialista, el avance técnico y tecnológico y las consideraciones filosóficas que implican estos avances, la comoología y nuestro destino. Temas no muy relacionados con la trama de Avatar, quizá lo único relacionado es que Efrémov a veces toca el tema de extraterrestres en sus relatos aunque sea de refilón o muy sutilmente.

Kir Bulychev (también se conoce en occidente como Kir Bulychov 1934-2003) fue un alias artístico. Su verdadero nombre fue Igor Vsevolodovich Mozheyko fue un historiador soviético que empezó a escribir ciencia ficción en 1965. Muchos de sus relatos fueron de corte humorístico y, como buen historiador, muchas de sus novelas caen en la categoría de "ucronías". Muchos de sus relatos cortos se basan en la historia de un pueblo ruso ficticio llamado Veliky Gusliar (basado en la ciudad real Veliky Ustyug). Estos relatos cuentan, desde un punto de vista humorístico, cómo el pueblo, por alguna razón, atrae a toda clase de extraterrestres y seres sobrenaturales. Aparte de cuentos y novelas, desarrolló como 20 guiones para el cine, incluyendo varias adaptaciones de sus novelas, incluyendo la más famosa: "Dentro de Cien Años" (publicada en inglés como "Alice: The Girl from Earth", película titulada: "Guest from the Future"). Esta novela cuenta las aventuras de una joven llamada Alisa Seleznyova, una chica que vive en la Tierra en el futuro. No hay viajes interestelares ni extraterrestres. Tan sólo descripciones y crónicas de un mundo y una sociedad prósperos y tecnológicamente muy avanzados. Lo más curioso es que esta exitosa novela está escrita desde el punto de vista de un niño de kinder (se han filmado dos películas basadas en esta obra, una convencional y una de animación).
Toda la temática de Bulychev como que tampoco están muy relacionados con Avatar.

Bueno, del director de cine Pável Arsiónov (deletreado también Pavel Arsyonov) dirigió "Lilovyy shar" (1987), basada en la novela de Bulychev "Dentro de Cien años", ha dirigido un par de películas ci-fi (todas basadas en el viaje en el tiempo y protagonizado por niñas, una fue película para TV), una de fantasía (de brujas), y las demás de dramas, romance y aventuras, tampoco con mucho material como para que Cameron se lo fusilara para Avatar.

Y finalmente los autores rusos más conocidos (que no los mejores, muchos consideramos a Efrémov de mayor calidad literaria): los hermanos Strugatski (Arkadi 1925-1991 y Boris 1933- ), su obra es muy abundante y abarca una amplia variedad de temas. Escribieron muchos cuentos y novelas juntos, otros cuentos y novelas cada uno por su lado y todavía se han dado el lujo de adaptar y desarrollar guiones para el cine, así que me voy a enfocar en la obra que tiene elementos donde parece que ha copiado Avatar: el universo Noon.
En 1961, los hermanos Strugatski publicaron una serie de cuentos levemente relacionados; llamaron al libro "Noon: Siglo 22". Dado el éxito que tuvo, decidieron agregarle algunos cuentos en 1962 y otros en 1967. A todos los elementos comunes en la trama de los cuentos se les empezó a conocer como "universo Noon" (así como existe el universo Star Trek, el universo Star Wars o el universo Matrix) y tiene las características: la sociedad es avanzada y progresista gracias al triunfo del comunismo resultando en un exceso de recursos donde ya se ha eliminado la necesidad de casi toda labor manual. La economía basada en el crédito se ha vuelto obsoleta y el conocimiento es la posesión más valiosa. En este sentido tiene más puntos de coincidencia con el universo Star Trek que con Avatar (por cierto, es bastante remarcable que la característica principal del universo Noon sea la negación completa del imperialismo, a diferencia de Star Trek, Dunas o Star Wars).
Mencionar los detalles o siquiera la trama principal de todas las novelas del universo Noon sería ocioso para fines de este post (en total son 10 novelas y, al igual que el universo de la Fundación Asimoviana, existen 6 novelas anteriores que pueden considerarse parte de este universo).

Así que me voy a enfocar a la novela de donde dicen que Cameron se fusiló elementos, conceptos y trama: la quinta novela del universo Noon, titulada "Disquiet" en su traducción al inglés (algo así como "Inquietud" en español) de 1965. Sin embargo, todas las coincidencias son meramente circunstanciales: el planeta donde trascurre la acción también se llama Pandora y es un mundo tropical y selvático; a diferencia del Pandora de Avatar, la selva de este Pandora está en investigación. No solamente todo está vivo, sino que todo está animado: las piedras, ríos, árboles todo, los mapas que se hacen del terreno de Pandora quedan obsoletos después de dos años. En los laboratorios de investigación se rumora acerca de gente del bosque, aunque muchos suponen esto una leyenda, puesto que no hay pruebas.
La primera mitad de la novela relata la historia del investigador Paul Gnedykh que sale a "rescatar" a un par de nativos atrapados y empieza a observar y a experimentar el raro follaje y formas de vida pandorianas. Al inicio de la novela se menciona que el director del laboratorio, Mikail "Athos" Sidorov sufre un accidente en su helicóptero en medio de la selva, como no encuentran una sola huella de él, lo dan por muerto. La segunda parte de la novela relata que Athos no murió, fue rescatado por los nativos y vive en una villa en medio del bosque. Los nativos que lo rescataron son llamados Mártir Herido y Pierna Rota, la esposa que se le ha asignado se llama Nava (algunos piensan que de aquí se derivó el nombre Na'vi, un poco forzada y artificial la comparación). La trama de esta segunda parte se centra en los esfuerzos de Athos por regresar al laboratorio, a pesar de los repentinos ataques de amnesia y de pánico por salir de la villa.
Como vemos, los únicos puntos de coincidencia entre Disquiet y Avatar son el nombre del planeta (dado que Pandora es un nombre de la mitología griega, bien conocido y famoso, el que dos o más personas lo lleguen a usar, más que coincidencia, es casi una necesidad probabilística), el hecho de que el planeta es selvático y que la trama sucede en el siglo 22 (también Star Trek). Todas las demás "coincidencias" o "plagios" son parte de las alucinaciones del partido comunista de San Petersburgo.

El Temor del Plagio.
En la novela "El Temor a la Fundación" de Gregory Benford (Foundation's Fear, 1997) es el primer libro de la segunda trilogía de la fundación. Una de las historias de la novela narra el escape de Hari Seldon y su esposa, Dors Venabili de las fuerzas trantorianas del poderoso miembro del Alto Consejo Betan Lamurk hacia el planeta vacacional Panucopia, un planeta tropical y selvático. Ambos experimentan una realidad virtual "conectándose" EXACTAMENTE IGUAL A COMO SE HACE EN AVATAR a sus avatares chimpancés. La diferencia principal es que los chimpancés no dejan de ser chimpancés, tan sólo se vuelven más reflexivos, más concentrados, más "humanos". La aventura consiste en que los asesinos de Lamurk los localizan y los intentan asesinar mientras están en sus avatares chimpancés y ellos (Seldon y Venabili) no se pueden defender bien en su forma chimpance. Heroicamente (ya saben, autor americano...) "despiertan" a sus cuerpos humanos y pueden neutralizar a los asesinos (no me pregunten cómo porque ya no me acuerdo).
No se necesita mucho análsis para hallar más puntos de coincidencia entre Avatar y este pasaje de Temor a la Fundación que entre Avatar y Disquiet de los Strugatski.

¡Futurama!
En el capítulo "Donde Vagan los Buggalos" ("Where the Buggalo Roam", episodio 6, 4a temporada trasmitido el 3 de marzo de 2002), la trama muestra a los nativos marcianos, seres tribales analogos a los nativos amerianos (iguales en sentido futuramanesco, pues) pero con piel gris y rasgos faciales sospechosamente parecidos a los na'vi de Avatar que, si recuerdan, estaban organizados en tribus y su sociedad y creencias eran equivalentes a las de los nativos americanos originales. Incluso, ¡los nativos futuramanescos son igual de ecológicos que los Na'vi avatarescos!

Todos sabemos que el proyecto "Avatar" tardó más de 10 años en realizarse (Cameron entregó su primer borrador de guión en 1994) y él mismo dijo que se había inspirado "en cada libro de ciencia ficción que había leido desde niño", destacando las aventuras de John Carter de Edgar Rice Borroughs. Los parecidos con "Futurama" y la trama de "Temor a la Fundación" son pura especulación, dades las fechas de publicación y trasmisión al aire. Lo importante es que la trama de Avatar se parece más a los conceptos de la propia ci-fi americana (y si uno le racsa más se va a encontrar conceptos de la ci-fi francesa, el manga y el animé japoneses) que a la ci-fi soviética.

Noonesco inge y los strugatskianos malditos.
Meshiko-Tenochtitlán 28.01.10
----------------- FIN DE TRASMISIÓN -----------------


¡Leelo Completo!
Bookmark and Share
Print

Invictus de Clint Eastwood

Por Chacal

FICHA TÉCNICA

Título: Invictus
Título original: Invictus
Dirección: Clint Eastwood
País: Estados Unidos
Año: 2009
Fecha de estreno: 29/01/2010
Duración: 132 min.
Género: Drama, Biográfico
Reparto: Matt Damon, Morgan Freeman, Scott Eastwood, Langley Kirkwood, Robert Hobbs, Tony Kgoroge, Bonnie Henna, Grant Roberts, Patrick Holland, Patrick Mofokeng
Guión: Anthony Peckham
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Warner Bros. Pictures, Mace Neufeld Productions, Malpaso Productions, Revelations Entertainment, Spyglass Entertainment

SINOPSIS

La película de Clint Eastwood explica la historia del líder del movimiento negro de Sudáfrica, Nelson Mandela (Morgan Freeman) a partir de su unión con el capitán del equipo nacional de rugby, François Pienaar (Matt Damon). Mandela, recién elegido presidente del país, es consciente de que el deporte puede ayudar a superar la barrera del racismo y pondrá todos los medios a su alcance para conseguirlo.

CRÍTICA

Clint Eastwood es de los pocos directores clásicos de Hollywood que continuan en activo, y pese a sus años en los últimos tiempos ha conseguido casi enlazar un film por año, en un ritmo arrollador del que deberían tomar ejemplo las nuevas y, en algunos casos, sobrevaloradas generaciones. Pese a ello es humano, y sería injusto tildar de obras maestras todas sus películas porque no lo son, como ocurre con esta Invictus.

Aún así nos encontramos ante algo difícil de vender, y es un drama deportivo. Por un lado este tipo de films tiene un esquema del que Eastwood no se separa (grupo de perdedores que con perseverancia y tesón conseguirán sus objetivos) y por otro estan las escenas del deporte en cuestión (aquí rugby) y como estén representadas en pantalla, ya que no en vano puede gustarte ver películas pero aburrirte ver practicar deportes (como es mi caso) y corres el riesgo de que el espectador pierda el hilo durante esos momentos. A eso hay que sumar el handicap de lo poco exitosas que suelen ser las películas de temática deportiva (algo, por otro lado, sorprendente si tenemos en cuenta las masas que mueven algunos de ellos como por ejemplo el futbol).

De todas maneras Eastwood es todo un maestro del cine, y esos detalles o características de las películas deportivas que en otras manos pudieran haber dado un film intrascendente (cuando no claramente innecesario) él las transforma en unas escenas llenas de vigor y energia, con especial mención al tramo final que lleva a un resultado que no por previsible resulta menos satisfactorio. En ese sentido requiere mención especial en el apartado físico la labor de Matt Damon, que después de su andadura en la saga Bourne ha conseguido una mayor credibilidad en las escenas físicas de las que hace años tenía debido a su semblante algo infantil. Asimismo el film se puede catalogar como un nuevo escalón en el discurso que nos quiere dictar Clint Eastwood en sus últimas obras, ya que si Gran Torino tenía el tema del racismo como uno de sus hilos argumentales, el mismo está claramente también visible aquí en la unión mediante el deporte que Nelson Mandela quiso establecer tras su llegada al poder en un pais claramente dividido por el color de la piel de sus habitantes.

Lamentablemente ahí es donde se pueden encontrar más aristas a una obra que tiene mejores intenciones en conjunto que resultados finales tras su visionado. Y es que pese al evidente parecido físico entre el actor Morgan Freeman y Nelson Mandela, el personaje que se nos presenta en pantalla está desarrollado de manera beatífica, sin aristas, lo cual le resta credibilidad tanto en su discurso como en sus intenciones. Y eso que en ese apartado la película tiene escenas tan conseguidas como cuando el personaje encarnado por Matt Damon ve la diminuta celda donde Mandela vivió más de dos décadas. Pero lamentablemente son momentos puntuales dentro de un conjunto que peca quizás de ser demasiado autocomplaciente y que en ocasiones busca desesperadamente la emotividad del espectador de forma artificial y poco creible.

En resumidas cuentas, una película simplemente correcta dentro de la filmografía de su autor, pero sin lugar a dudas muy destacable dentro del pobre panorama cinematográfico en el que vivimos. Y pese a lo poco que me gustan a mi los films de temática deportiva, tengo que reconocer que es uno de los mejores que he visto en mucho tiempo.

LO MEJOR: La labor como director de Clint Eastwood, que consigue hacer entretenido un argumento que a priori parecía no ser nada más que otra historia de superación más con el deporte como telón de fondo.

LO PEOR: La forma de representar a Nelson Mandela, quizás demasiado benévola, así como los lógicos estereotipos de las películas deportivas, y de los que aquí no se aparta Eastwood.


¡Leelo Completo!
Bookmark and Share
Print

Solomon Kane

Por Chacal

FICHA TÉCNICA

Título: Solomon Kane
Título original: Solomon Kane
Dirección: Michael J. Bassett
País: Francia, Reino Unido, República Checa
Año: 2009
Fecha de estreno: 01/01/2010
Duración: 104 min.
Género: Aventuras, Acción, Fantástico
Reparto: James Babson, Laura Baranik, Geoff Bell, Matthew Blood-Smyth, Brian Caspe, John Comer, Mackenzie Crook, Christian Dunckley Clark, Jason Flemyng, Patrick Hurd-Wood
Guión: Michael J. Bassett
Distribuidora: Aurum Producciones
Productora: Davis-Films, Czech Anglo Productions, Wandering Star Pictures

SINOPSIS

Una nueva adaptación de una de las novelas del creador de Conan, Robert E. Howard. Bajo el marco del siglo XVII encontramos a Solomon Kane (James Purefoy), un puritano guerrero cuyo objetivo es terminar con todo el mal que alberga el mundo. Así pues sus aventuras nos llevan a conocer todo tipo de lugares, desde los rincones más oscuros de las principales capitales europeas, hasta las frondosas y peligrosas junglas africanas.

CRÍTICA

Antes de comenzar tengo que aclarar que no soy seguidor de la obra de Robert E.Howard (creador del famoso Conan) ya que la fantasia heroica y/o el género de espada y brujeria no ha sido para mi algo mucho más allá de un simple entretenimiento (por ejemplo los comics de Thor, que estarían englobados más o menos en ese género nunca me han atraido mucho. Pese a ello soy el primero en valorar la calidad que tuvo el primer film de Conan protagonizado por Schwarzenegger, y lo correcto del segundo)

En este caso la adaptación de Solomon Kane partía con la (relativa) ventaja de parecer algo más al estilo de El Señor de los Anillos y no tanto a los mundos donde circula el anteriormente citado Conan. Además tengo que reconocer que el aspecto visual del protagonista me recordaba bastante a como iba caracterizado Hugh Jackman en Van Helsing, film del que personalmente guardo un grato recuerdo (pese a disparates como lo de los huevos de vampiro...) Por eso pensé que era un film tan perfecto como cualquier otro para comenzar mis visitas al cine del 2010.

Error por mi parte (no siempre se acierta): si mucho se criticó en su momento a tantos y tantos films de fantasía infantil que surgieron a raiz del éxito de la franquicia de Harry Potter (por ejemplo La brújula dorada), otro tanto se puede decir de esta película pero respecto a la trilogia de El Señor de los Anillos. Y es que TODOS los ambientes y TODAS las escenas por donde se mueve el protagonista, bien sean lúgubres cavernas o tenebrosos lugares, recuerdan a la citada saga dirigida por Peter Jackson. En ese sentido incluso el propio protagonista (James Purefoy) realiza una interpretación a medio camino entre el Aragorn que encarnó Viggo Mortensen (al que recuerda mucho por su aspecto, sobretodo en escenas como en la que está borracho en la posada) y el Lobezno de Hugh Jackman (por su caracter bravucón y su forzada ¿regeneración? en escenas como la de la curación de sus manos tras la crucifixión). El problema es que Purefoy no es ni Mortensen ni Jackman, lo que provoca que tengamos un protagonista cuyo semblante, actitud, maneras y aventuras recuerdan en todo momento a otros personajes mejor logrados.

Lo citado antes no sería problema si como mínimo la película entretiene, pero el problema es que su guión va dando bandazos hasta que finalmente afronta un tramo final con "efecto Star Wars" (por las relaciones que se descubren entre el protagonista y los villanos, al estilo de cuando Darth Vader le dice a Luke que es su padre), y que se soluciona de una manera tan simplona (tanto monstruo de fuego del espejo... ¿para ESO?) que te hace replantear QUÉ te estaba contando la película (en si la salvación de la damisela de turno)... y si era necesario alargarlo de manera tan innecesaria e insustancial. A todo este conjunto añadamos también unos efectos visuales simplemente correctos (y también muy deudores de la citada trilogia fílmica de El Señor de los Anillos de Tolkien y Jackson) y lo que obtendremos es una película prescindible y simple que solo servirá si uno es muy aficionado al personaje adaptado o no pide muchas exigencias a lo que vea en pantalla.

LO MEJOR: Tampoco esperaba gran cosa... aunque si algo más que esto.

LO PEOR: Probablemente el personaje daba para una adaptación de mayor envergadura y menos parecida a tantos y tantos films del mismo estilo, lo que provoca que no se vea nada más allá de 104 minutos rutinarios y nada destacables.


¡Leelo Completo!
Bookmark and Share
Print

Harry Brown

Por Chacal

FICHA TÉCNICA

TITULO ORIGINAL: Harry Brown
GENERO: Thriller
PAIS: Reino Unido
DURACION: 103 Minutos
AÑO: 2009
DIRECTOR: Daniel Barber
GUION: Gary Young
INTERPRETES: Ben Drew, David Bradley, Emily Mortimer, Iain Glen, Liam Cunningham y Michael Caine
PRODUCTOR: Keith Bell, Matthew Brown, Kris Thykier y Matthew Vaughn
MUSICA: Ruth Barrett y Martin Phipps
FOTOGRAFÍA: Martin Ruhe
MONTAJE: Joe Walker

SINOPSIS

Un ex militar viudo que vive solo en medio de una comunidad mermada por las drogas y el crimen decidirá tomarse la justicia por su mano cuando su mejor amigo es asesinado.

CRÍTICA

Ver una película como esta es saber de antemano lo que te vas a encontrar, es como ver la enésima aventura del psychokiller de turno, donde el esquema argumental es siempre el mismo. La novedad en este caso estaría en disfrutar con todo un actorazo como Michael Caine en un papel que en los años setenta ya hizo famoso a Charles Bronson o Clint Eastwood con su famoso Harry Callahan; pero por lo demás estamos ante otra película de venganza, con lo cual el posible espectador tendrá que tener en cuenta otros valores ya que si busca llevarse sorpresas... aqui no las encontrará.

Al ser un film británico el tono y el aspecto intenta ser más real que otras variantes de este género como por ejemplo las películas del famoso Punisher de los comics Marvel, lo cual repercute en que NO estamos ni mucho menos ante un film con mucha acción, ya que no en vano Michael Caine tiene sus años y no se va a poner a dar brincos como un actor más joven (aunque atención a lo bien resuelta que está la escena donde Harry Brown compra sus armas, y en donde se mezclan acción, comedia y drama urbano a partes iguales).

Eso si, el resultado final es demasiado dependiente de Michael Caine, ya que salvo por su presencia el resto del reparto queda un un muy marcado segundo plano. Si a eso unimos los estereotipos de este tipo de películas (como por ejemplo que la muerte de un amigo del protagonista sea el desencadenante de su venganza) el resultado final aprueba por los pelos solo por la labor de Michael Caine, uno de los actores clásicos que aún quedan en circulación, y capaz de levantar el interés de una película con su sola presencia.

LO MEJOR: Michael Caine y el tono más o menos realista que se le quiere dar al conjunto, lo cual nos lleva a que no sea precisamente la acción lo que abunda en su metraje.

LO PEOR: Pertenece a un género en el que se sabe de sobras todo lo que va a ocurrir, siendo este film un claro ejemplo de ello.


¡Leelo Completo!
Bookmark and Share
Print

CORTO: La tienda en Tokio

Por Víctor Pintado

Mi versión de "Mapa de los sonidos de Tokio"


¡Leelo Completo!
Bookmark and Share
Print

El retrato de Dorian Gray

Por Chacal

FICHA TÉCNICA

Título: El retrato de Dorian Gray
Título original: Dorian Gray
Dirección: Oliver Parker
País: Reino Unido
Año: 2009
Fecha de estreno: 12 de marzo del 2009
Duración: 107 min.
Género: Aventuras, Acción
Reparto: Colin Firth, Ben Barnes, Rachel Hurd-Wood, Rebecca Hall, Ben Chaplin, Emilia Fox, Fiona Shaw, Caroline Goodall, Douglas Henshall, Michael Culkin
Guión: Toby Finlay
Distribuidora: Aurum Producciones
Productora: Ealing Studios, Fragile Films

SINOPSIS

Dorian Gray (Ben Barnes) es un atractivo aristócrata que regresa a su Londres natal tras pasar la adolescencia aislado en el campo. Abrumado por la vida nocturna londinense, Dorian se sumerge en ella de la mano de Lord Henry Wottom (Colin Firth), quien le muestra los lugares más recónditos y peculiares de la capital inglesa.

Dorian pronto comienza a obsesionarse con alcanzar la eterna juventud. Un retrato suyo pintado por Basil Hallward (Ben Chaplin) se convertirá en un recordatorio palpable de sus graves faltas con el paso del tiempo. A diferencia del resto de los mortales, el apuesto Dorian permanece impasible al sucederse los años y es el retrato en cambio, el que envejece y asume su degradación física y moral.

CRÍTICA

La obra original en la que está basada la película no la he leido, y mi relación con el personaje se circunscribe a su (forzada) inclusión en la película La liga de los hombres extraordinarios (ya que recordemos que Dorian Gray no aparecía en el comic original de Alan Moore) De todas maneras estamos hablando de una historia clásica (algo así como el cuento del Rey Midas) con lo cual ya muchos saben de antemano de que va y como acabará.

En ese sentido la presente adaptación poco de novedoso ofrece, más alla de presentar el relato a una nueva generación que no lo conozca, pero pese a un arranque que no da muchas esperanzas y con un ritmo cansino, el tono se afianza tras la primera media hora, consiguiendo como resultado final una película que, si bien insisto en que no aporta novedades sobre una historia harto conocida, si se deja ver con las dosis mínimas de entretenimiento que le pide uno a un film de estas características.

Al correcto resultado final ayuda sobretodo la labor de ese gran actor que es Colin Firth, quien en su papel secundario consigue robar muchas escenas al propio Ben Barnes, el protagonista absoluto del film (visto la pasada temporada en Las Crónicas de Narnia: El Príncipe Caspian). Y es que el citado Barnes peca de una interpretación fria y anódina, que unido a las características "eternas" de su personaje y la época en la que está ambientada la película dotan a algunos momentos de cierto aire que puede hacer recordar a La Saga Crepúsculo u otras historias de vampiros románticos.

Como toda película de época que se precie, en el apartado visual la recreación es lo más destacable, pero el componente fantástico está poco o nada explotado, lo cual unido a una realización simplemente correcta de un relato harto conocido dan como resultado una película de visionado entretenido pero intrascendente.

LO MEJOR: La ambientación, el esquema argumental básico y Colin Firth.

LO PEOR: El ser un relato muy conocido y su frio resultado final en pantalla (en parte por su soso protagonista).


¡Leelo Completo!
Bookmark and Share
Print

Up in the air

Por Chacal

FICHA TÉCNICA

Título: Up in the air
Título original: Up in the air
Dirección: Jason Reitman
País: Estados Unidos
Año: 2009
Fecha de estreno: 22/01/2010
Duración: 109 min.
Género: Drama, Comedia
Calificación: No recomendada para menores de 7 años
Reparto: Jason Bateman, George Clooney, Anna Kendrick, Vera Farmiga, Melanie Lynskey, Danny McBride, Chris Lowell, Tamala Jones, Adam Rose, Lauren Mae Shafer
Guión: Sheldon Turner, Jason Reitman
Distribuidora: Paramount Pictures
Productora: Paramount Pictures, Montecito Picture Company, The, Cold Spring Pictures, DW Studios, Right of Way Films


SINOPSIS

Ryan Bingham (George Clooney) es un hombre de negocios acostumbrado a nadar en la abundancia. Pero, de repente, cuando está a punto de ser pasajero frecuente de avión y cuando ha conocido a la mujer de sus sueños... Algo con lo que no contaba se interpondrá en su camino.

CRÍTICA

Después de la, para algunos, sobrevalorada Juno, ya tenemos aquí el nuevo film de Jason Reitman. Pero pese a los premios que pueda ganar esta temporada (se la considera como una firme candidata para la próxima entrega de los Oscars y ha ganado un Globo de Oro al mejor guión) no acaba de ser esa gran película que uno suele esperar en estos tiempos, en los que se supone que se premia a las mejores obras del año finiquitado. Vamos, que aquí seguro que alguien me contradecirá pero a mi me gustó más Juno que esta Up in the air.

La película supuestamente nos hace replantear el estatus de vida actual, donde la sociedad nos fagocita sin miramientos dejando por el camino cosas importantes como las relaciones sentimentales o los lazos familiares (mensaje que, bien mirado, dota al film de cierta complacencia bastante facilona). Eso es lo que el protagonista no tiene pero que se replanteará cambiar en relación a la esporádica relación que vivirá con una ejecutiva en su misma situación. Vamos, que en ese sentido el George Clooney de esta película, presentado al principio como un cínico y arrogante galán que cambiará a un personaje más humano y enraizado, sería muy similar a otros papeles que ha interpretado el actor en films como Crueldad intolerable (con quien comparte algunos apuntes cómicos) o Michael Collins (con el que le emparenta un tipo de actividad laboral hasta cierto punto equivalente).

Pese a ello hay que reconocer que Jason Reitman sabe rodar con actores, dándoles a estos la importancia que merecen. En ese sentido destacaría las diferentes personas que son despedidas durante el metraje (ya que a eso es lo que se dedicada el protagonista, haciendo de ello una situación supuestamente más humana) entre las cuales se cuelan actores como Zach Galifianakis (el barbudo de Resacón en Las Vegas) o J.K.Simmons (ya presente en la anterior Juno y conocido principalmente por ser J.Jonah Jameson en la trilogía de Spiderman). Por su parte Vera Farmiga y Anna Kendrick le dan una buena réplica al protagonista, una como el esporádico amor de aeropuerto que tendrá sorpresa cuando el personaje de Clooney lo intente llevar a un nuevo nivel, y la otra como una agresiva competidora del protagonista a la que se le ocurre lo del despido a distancia pero que también sufrirá en sus carnes la insensibilidad de sus propios métodos en cierta situación personal que será la que lleve a nuestro protagonista a ese fallido intento de enraizamiento.

A favor del film hay que destacar una ajustada duración (109 minutos) que pese a todo en algunos momentos se pueden hacer un poco previsibles, sobretodo a raíz de cómo el "veterano" Clooney conseguirá convencer de sus métodos a su competidora (algo que ya se presupone viniendo del galán que viene) o que la relación del mismo con su amor esporádico llevará a algo más (¿o no?), detalles que uno ya ve venir apenas son esbozados en pantalla. Pese a ello la sensación final que queda es de un film con buenas intenciones pero quizás demasiado complaciente a la hora de llevarlas a imágenes, dando una imagen hasta cierto punto conservadora. Está bien su crítica hacia el estilo de mundo actual en el que vivimos, pero le falta quizás más mala leche, más garra, más fuerza,... para acabar siendo la película que no es (pero por la que apunta maneras).

LO MEJOR: El guión, al que pese a todo hay que reconocerle que le falta más dureza para haberse convertido en una crítica más mordaz que lo que acaba siendo. También los actores (correctos todos en líneas generales) así como la labor del director, que sabe guiar a sus personajes dándoles la importancia justa en cada momento.

LO PEOR: La historia puede pecar de conservadora y complaciente, ya que parece dar a entender que la verdadera felicidad sólo se consigue formando una familia y/o echando raices, algo de lo que en principio el protagonista pasa pero que luego intentará conseguir (¿lo logrará? Ojo que la respuesta a eso no es tan evidente como podéis pensar).


¡Leelo Completo!
Bookmark and Share
Print

NINE de Rob Marshall

Por Chacal

FICHA TÉCNICA

Título: Nine
Título original: Nine
Dirección: Rob Marshall
País: Estados Unidos
Año: 2009
Fecha de estreno: 22/01/2010
Duración: 118 min.
Género: Romance, Musical
Calificación: No recomendada para menores de 7 años
Reparto: Daniel Day-Lewis, Marion Cotillard, Nicole Kidman, Penélope Cruz, Judi Dench, Sophia Loren, Stacy Ferguson, Kate Hudson, Ricky Tognazzi, Giuseppe Cederna
Guión: Michael Tolkin, Anthony Minghella
Distribuidora: Wide Pictures
Productora: Weinstein Company, The, Relativity Media, Marc Platt Productions, Lucamar Productions

SINOPSIS

El director cinematográfico Guido Contini (Daniel Day-Lewis) se encuentra en Venecia en mitad de una profunda depresión. No consigue recuperarse a nivel profesional ni tampoco su vida privada está en un buen momento. Varias mujeres le atormentan, entre ellas su esposa (Marion Cotillard), su amante (Penélope Cruz), su madre (Sophia Loren), su musa (Nicole Kidman), su diseñadora de vestuario y confidente (Judi Dench) y hasta una periodista americana que le persigue (Kate Hudson).

CRÍTICA

Decir lo que voy a decir a continuación probablemente levantará las iras de los más puristas y cinéfilos seguidores de este blog, pero yo no he visto 8 ½, la película de Federico Fellini que a su vez inspiró el musical del que toma su base esta película. Si, ya sé que para muchos eso será un sacrilegio, pero el mérito del actual remake de Rob Marshall sería tener los suficientes puntos de interés como para que yo me interesara (valga la redundancia) por los antecedentes que tiene. Y es en esa labor donde el resultado está conseguido... a medias.

En mi caso he de reconocer que soy un poquito meticuloso para los musicales: no es que tenga nada contra el género, pero esos films donde sin venir a colación los personajes se ponen a cantar cada dos por tres nunca han sido santos de mi devoción. No me importa que se incluyan números musicales, pero si los mismos no sirven para darle ritmo a la historia o desarrollar el relato, sino para producir una pausa tras otra, muy raro será que consigan de mi una valoración más o menos positiva. Pero bueno, en todo hay excepciones, y films tan polémicos como Moulin Rouge o Evita (que tienen tantos fans como detractores) están entre mis preferidos dentro del género. Ahí ha estado a punto de entrar Nine pero no lo consigue... aunque se queda a las puertas.

Citar algo sobre el reparto de la película sería redundante, no en vano creo que es una de las pocas ocasiones en los últimos años en los que se consigue reunir a un grupo de actrices tan importantes y de tan diferentes generaciones como las que hay en esta película y ¡atención! con tiempo para mostrarlas a todas sin que ninguna destaque por encima del resto, pero luciéndose todas ellas de manera magnífica. Esa homogeneidad está conseguida por representar cada una de ellas parte de la vida de Guido Contini, el director italiano protagonista al que encarna Daniel Day-Lewis, teniendo cada una su propio número musical, mediante los cuales se pondrán en imágenes el estado de ánimo y detalles de la vida del protagonista masculino.

Entre los mencionados temas sin duda alguna mis preferidos han sido Be italian y Cinema Italiano. El primero, interpretado por Stacy Ferguson (Fergie), es sin duda alguna el mejor de toda la película, ya que desde la puesta en escena hasta la coreografía o el insinuante baile (mezclando entre sus elementos sillas, panderetas y arena), todo él destila un erotismo y sensualidad de gran intensidad. Por su parte Cinema Italiano a cargo de Kate Hudson es también un vigoroso tema cuya simpática puesta en escena llena de glamour y estilo puede recordar al clásico anuncio de Martini con el que se hizo famosa Charlize Theron.

Del resto de intérpretes destacaría a la veterana Judi Dench (sorprendente para quien sólo la conozca por su papel de M en la saga de James Bond) o a la española Penélope Cruz, cuyo número destila un gran erotismo (aparte de la buena dicción que le encontré a la actriz). Eso si, su personaje puede pecar quizás de ser demasiado tópico, algo en lo que también caen los de Sophia Loren y Nicole Kidman (ambas nos son presentadas simplemente como ídolos, el primero de la infancia ya que fue su madre y la segunda por ser la musa cinematográfica del director). Pero no olvidemos que estamos en un género (el musical) que nunca se ha caracterizado por argumentos muy profundos, centrándose en sentimientos básicos como el amor, el odio, la venganza,... con lo cual el film tampoco ofrece nada más aparte de las dudas existenciales de su protagonista a través de las mujeres que marcaron (su madre, su musa), marcan (su esposa, su amante) o intentan marcar su vida (la periodista encarnada por Kate Hudson, el personaje de Judi Dench). Mención especial para la esposa encarnada por Marion Cotillard, capaz de expresar con una sola mirada más sensaciones que si diera un (innecesario) discurso (aunque también son destacables las sensuales miradas de las actrices que salen en el poster del film, que acompaña a este comentario) También son dignos de mención todos esos detalles de "cine dentro del cine" (ya que, no en vano, el film se desarrolla sobre la crisis del director protagonista para llevar a cabo su próximo proyecto cinematográfico) que siempre suelen funcionar y resultar curiosos.

LO MEJOR: Las actrices protagonistas (todas con personajes con idéntica importancia, sin destacar ninguno por encima del resto), los temas musicales Be italian (magistral a cargo de Fergie) y Cinema Italiano (a cargo de una glamourosa Kate Hudson) y en si lo entretenido del conjunto, principalmente por todos los referenciales detalles cinematográficos que tiene.

LO PEOR: Las expectativas, y es que estamos ante un reparto donde casi todos han ganado un Oscar, pero eso no es garantía de éxito (como demuestra su tibia acogida en la taquilla americana). También cierto tono ambicioso que luego no se ve recompensado en igual grado así como una historia que, en su base, es muy simple.


¡Leelo Completo!
Bookmark and Share
Print

Sherlock Holmes de Guy Ritchie

Por Chacal

FICHA TÉCNICA

Título: Sherlock Holmes
Título original: Sherlock Holmes
Dirección: Guy Ritchie
País: Reino Unido, Estados Unidos, Australia
Año: 2009
Fecha de estreno: 15/01/2010
Duración: 128 min.
Género: Criminal, Drama, Thriller, Aventuras, Acción, Intriga
Calificación: No recomendada para menores de 13 años
Reparto: Robert Downey Jr., Rachel McAdams, Jude Law, Mark Strong, Kelly Reilly, Eddie Marsan, James Fox, Hans Matheson, William Hope, Geraldine James
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Silver Pictures, Village Roadshow Pictures, Lin Pictures, Translux, Wigram Productions

SINOPSIS

El famoso detective Sherlock Holmes (Robert Downey Jr.) y su leal compañero, el doctor Watson (Jude Law), se enfrentan ahora a un enemigo inteligente e implacable que podría poner en jaque no sólo a la ciudad de Londres, sino a toda Inglaterra.

CRÍTICA

Me gusta Sherlock Holmes. Con esta simple frase no estoy dando mi opinión de la película de Guy Ritchie (que también) sino que reconozco mi admiración por un personaje que me hizo pasar ratos realmente espléndidos durante mi infancia y adolescencia, cuando descubrí sus aventuras. En ese sentido siempre serán un clásico las 56 historias cortas y las 4 largas que hizo Arthur Conan Doyle de tan universal personaje, pero su andadura no acabó ahí, teniendo múltiples novelas, series y películas que lo han tomado como fuente de inspiración, cuando no directamente poniéndolo como protagonista (incluso en otros géneros no propiamente detectivescos, y ahí sirve como ejemplo el protagonista de la serie House, claramente inspirado en el famoso detective).

Cada uno supongo que tendrá sus películas preferidas del personaje. En mi caso recuerdo toda la serie que protagonizó Basil Rathbone (el Holmes más clásico), Asesinato por decreto (donde iba tras Jack El Destripador), La vida privada de Sherlock Holmes (el clásico de Billy Wilder), Sin Pistas (una divertida parodia donde se invertían los roles característicos de Holmes y Watson) y sobretodo El secreto de la pirámide, una hipotética adaptación sobre el primer encuentro entre el detective y su amigo cuando ambos eran jóvenes estudiantes. Esta última, dirigida por Barry Levinson, es el film que más veces he visto en mi vida (más de una docena... y os lo dice uno que no es de repetir hasta la extenuación las películas por mucho que me gusten). ¿Y qué tiene de especial? Principalmente su carácter de aproximación ficticia pero respetuosa con el original; fue una lástima que en su momento fuera un fracaso de taquilla porque era un buen acercamiento al personaje para las nuevas generaciones (sobretodo por las puertas abiertas que dejaba a una secuela vista la escena tras los títulos de crédito).

Antes de continuar permitirme un inciso, desde mi punto de vista si una película adapta algo (un comic, un videojuego, etc) yo la considero BUENA si viéndola me entran ganas de conocer el material original. Eso me provocó Spiderman en el 2002 (y me reenganchó de nuevo a los comics) y eso me provocó la serie de animación de los ochenta de Sherlock Holmes con perros (la de Hayao Miyazaki) que me acercó a este mítico personaje. Pues bien, desde mi punto de vista el Sherlock Holmes de Guy Ritchie tiene el suficiente interés para que haya algún hipotético espectador que gracias a ella se interese por las obras donde sale el famoso detective. Mi miedo inicial (y la idea con la que iba a ver la película) era que me habian transformado a Holmes en un bufón, una especie de mezcla entre el personaje clásico y Jack Sparrow (el pirata encarnado por Johnny Depp en la saga de Piratas del Caribe). Pues no.

Guy Ritchie ha conseguido mezclar los aspectos más emblemáticos del personaje (deducción, astucia y perspicacia) con la acción y el ritmo de nuestros tiempos (es como si cogieras el esquema de una buddy-movie y lo pusieras en la época victoriana). Sin en ningún momento ser anacrónico (aunque en ocasiones lo parezca) el Holmes de Ritchie actúa y se comporta como uno esperaría de tan emblemático personaje (su destreza en las peleas ya es algo sugerido en las historias clásicas, si bien siempre se ha tomado su parte más cerebral). A esa buena sensación de esta adaptación ayuda mucho un Robert Downey Jr. al que al principio cuesta imaginarse en el papel pero que al cabo de un rato consigue ser de lo más adecuado. Eso beneficia asimismo la química que hay con Watson, aquí representado como un héroe al mismo nivel físico que el protagonista (aunque no necesariamente al mismo nivel intelectual, si bien es bastante listo). Los diálogos chispeantes, irónicos e ingeniosos entre ambos personajes son uno de los puntos de mayor interés de la película (que no el único).

Eso si, para comulgar con lo que estoy comentando hay que tener la mente amplia y no quedar obcecados en la imagen más arquetípica del personaje. Lo digo por detalles como por ejemplo el clásico gabán a cuadros con gorra a juego que ha caracterizado visualmente a Holmes en multitud de obras (si bien no en las ilustraciones originales de Sidney Paget), y que aquí no luce (decantándose por ropa normal de la época). Pero eso no desentona en ningún momento, siendo la labor de vestuario y ambientación otro de los aciertos de esta película (mismamente parece que esté uno en el Londres victoriano, bravo por los efectos digitales que lo han hecho posible). Que además se permitan guiños al conocedor de la obra holmesiana como que la novia y futura mujer de Watson sea Mary Morstan (como en las novelas) o que aparezca el amor platónico de Holmes (la Irene Adler que se dio a conocer en Un escándalo en Bohemia, historia corta dentro de las escritas por el propio padre de la criatura) es toda una delicia para el espectador. En el caso de esta última, asimismo, tenemos la ventaja de que se nos presente como una mujer de armas tomar y ladrona de guante blanco, lo cual hace recordar los rumores que ponían a Rachel McAdams (la actriz que la interpreta de manera sensual y astuta) como posible Gata Negra en alguna de las películas de Spideman, ya que su interpretación aquí puede hacernos pensar lo bien que hubiera estado en el otro papel. Pese a ello también es verdad que su presencia es más bien usada como mero contrapunto (algo que se agradece, y es que una de las cosas que Holmes nunca ha sido es un conquistador, y no hubiera quedado bien un romance en la película... aunque no negaré que haya coqueteos muy bien llevados).

El que sale perdiendo en comparación sería el villano, Lord Blackwood, ya que al ser un personaje netamente creado para el film, su estilo no deja de parecerse al de tantos megalómanos que han intentado conquistar el mundo en (por ejemplo) la saga de James Bond. Pese a ello Mark Strong cumple con corrección su cometido, si bien la película deja la puerta abierta a una secuela donde Holmes ya se enfrentaría a su némesis original, el profesor Moriarty (con episódica presencia en sombras en este film). Y es una pena lo de Strong porque en su primera escena, con el ritual que está haciendo, me hizo recordar al Rame-Tep, la secta de la antes citada El secreto de la pirámide; pero lamentablemente sus maquinaciones nunca aparentan ser tan amenazadoras como se plantean.

En resumidas cuentas, una excelente muestra de cine de evasión y entretenimiento que nos adapta a los tiempos actuales a todo un mito de la literatura, no sólo cogiendo su vertiente más cerebral y conocida, sino usándolo como héroe de acción de manera coherente y espectacular. Si Conan Doyle hubiese mezclado a sus personajes con el estilo de película de colegas que puso de moda Arma letal, el resultado podría haber sido algo como esto que, junto con la antes citada El secreto de la pirámide, se convierte sin duda y para un humilde servidor en las mejores aproximaciones al clásico personaje que ha habido en las últimas décadas (sin que por ello sean las mejores).

LO MEJOR: La labor visual del director, los actores (en especial el trío formado por Robert Downey Jr., Jude Law y Rachel McAdams) y la modernización que se hace del personaje sin ser en ningún momento contraria a los detalles más característicos del mismo (las dotes de deducción que le han hecho tan famoso quedan aquí perfectamente expuestas).

LO PEOR: Está bien pero le falta ESE detalle en particular que la hubiera convertido en una gran película.


¡Leelo Completo!
Bookmark and Share
Print

Viena - Innsbruck

Por Víctor Pintado

Para verlo y criticar en la página del festival:
http://www.notodofilmfest.com/ediciones/09/?lg=es&corto=19747


¡Leelo Completo!
Bookmark and Share
Print

Avatar o los nuevos Ewoks

Por Israel Laureano

¡Ahora azulitos y ecológicos!





No es que la película esté mal o sea ridícula o algo, visualmente es espectacular, como producto cinematográfico está muy bien hecha en todo sentido, la dirección, actuaciones, edición, continuidad, etc. Es solamente que la historia es complaciente y bastante inverosímil.

Las crónicas y críticas que pongo pueden revelar parte de la trama o algunos puntos dramáticos. Una vez advertidos, pueden continuar o dejar la lectura aquí, hasta que vean la película.







La palabra "avatar" ya es bien conocida en internet, significa una representación gráfica de nosotros mismos. No es necesariamente nuestra imagen, puede ser cualquier tipo de gráfica, esquema o dibujo. Si uno se pone a pensar que el concepto de avatares también es manejado y usado bastante en las religiones del mundo, no cae de sorpresa que la palabra y concepto ya tengan algunos siglos de antigüedad (la religión que más maneja el concepto de avatares es el hinduísmo, aunque también se puede encontrar esta idea en otras religiones).
Lo que sí es sorprendente es que el concepto de avatar tal y como se maneja en la película ya haya sido mencionado y explorado en la ciencia ficción, principalmente en la novela "Miedo a la Fundación" de Gregory Benford donde Hari Seldon y Dors Venabili visitan el planeta Panucopia y experimentan la realidad virtual utilizando el cuerpo y la mente de un chimpance (los chimpances son sus avatares).

El ex-marine Jake Sully, personaje principal de la trama.

Básicamente la trama trata de un ex-soldado (marine según la terminología del ejército de EUA) minuválido al que se le asigna la misión de controlar un avatar para contactar una población de nativos extraterrestres naturales de un planeta donde se va a hacer una operación minera.
El planeta extraterrestre se llama Pandora y los naturales se llaman a sí mismos los Na'vi, el problema es que la tribu na'vi viven en armonía con su entorno (la madre naturaleza, que los na'vi llaman Eywa) y la operación minera va a destruir su entorno para extraer un mineral de gran valor comercial en la Tierra llamado unobtanium.

La compañía terrestre encargada de la operación minera se llama RDA, como no es algún operativo oficial, de algún gobierno de la Tierra, no hay ejército real tal y como lo conocemos, más bien RDA contata a ex-marines (mercenarios) para protección del personal (por lo que la guardia contrada constituiría un ejército privado, "guardia blanca" se les llama en latinoamérica. Algo no ilegal, pero sí inmoral).
Coronel Miles Quaritch, "jefe de seguridad" del ejército privado de la RDA.

El pueblo na'vi está a un nivel neolítico (edad de piedra), por eso viven tan integrados a la naturaleza: no tienen tecnología ni han aprendido a utilizar lo recursos naturales para avanzar en su civilización; en la película se sugiere que la civilización na'vi es análoga a las civilizaciones en América del Norte antes de la llegada de los europeos (los llamados indios, palabra que denota un error histórico -Colón pensó que había llegado a las indias orientales- pero que se ha propagado a través de los siglos).
Los na'vi forman una sociedad tribal primitiva y prístina, al igual que el mundo donde habitan.


El mito del buen salvaje.
Uno de los mitos básicos en nuestra cultura occidental es conocido como "buen salvaje" y está basado en la creencia de que los humanos somos escencialmente buenos, o por lo menos que no deseamos hacer el mal, y que nuestras cosas o actitudes malas son debidas a la influencia social o "civilizatoria". En este sentido, podemos ver el papel que toman los na'vi y los humanos según la película: los na'vi son los buenos, los impolutos, los que lo único que desean es seguir viviendo en armonía con su mundo, en comunión con Eywa; los humanos (por lo menos el equipo de la operación minera) somos los malos, los que queremos destruir, los egoistas y codiciosos.
Ya con todos estos elementos es fácil predecir el rumbo de la película (sobre todo teniendo en cuenta que es hollywoodense y comercial): los buenos siempre le ganan a los malos, sin importar lo improbable, ilógico o absurdo que esto pueda ser, se deben complacer los deseos más primitivos y reprimidos de quien paga.
La na'vi Neytiri en el mito del buen (o buena) salvaje.

Los detalles de la trama se vuelven irrelevantes y cómplices de la tendencia complaciente principal: hay humanos "buenos" que se unen a los na'vi "buenos" que luchan contra los humanos "malos" (que tienen todas las características malosas posibles: son egoistas, codiciosos, ignorantes, fanáticos, etc., etc.); al igual que los Ewoks, son capaces de derrotar fuerzas de la era espacial a base de empellones, empujones, gritos, lanzas, flechas y piedras (y la ayuda esotérica de "Eywa", la madre Naturaleza -solamente que extraterrestre, eso sí).
Los na'vi vencen a un ejercito de la era espacial a base de gritos y echarle ganas.

Predecible y complaciente, con estructura infantil (al principio, los propios soldados reconocen que el planeta Pandora es muy hostil y peligroso, pero al final de la trama se lanzan al ataque como si nada), la trama queda totalmente opacada por los artificios visuales y la espectacularidad de los efectos especiales, no sé, una obra totalmente adecuada para las enseñanzas neoliberales del s.XXI.

Omaticaya inge y los avatarísticos malditos.
Meshiko-Tenochtitlan 14.01.10
----------------- FIN DE TRASMISION -----------------


¡Leelo Completo!
Bookmark and Share
Print

Dos conejitos en la cama

Por Víctor Pintado

Y por fin traigo este corto, aceptado en la edición del NotodoFilmFest de este año.



¡Leelo Completo!
Bookmark and Share
Print

Años 10 y años 90: el TBO ¡y Segura!

Por maginelmago

Data Estel·lar bidecenal 20100109

Comenzamos el año 2010,  y aquí seguimos con esta particular serie que Godmakers permitió que realizase. En esta ocasión voy a unir dos décadas y un único acontecimiento de la historieta. Las décadas son las de 1910 y 1990. El acontecimiento es la revista El TBO.

Yo mismo me hago un lío con lo que he explicado: mmm... años 30... años 50... años 60 (huy, sí, lo del Capitán Marvel...)... años 70 (¡Sacarino!)... años 00... Me quedan los años 1900 (glub)... los 40 (hum)... y los 80, si no los he hecho...

El TBO es una revista aparecida en 1917. Se considera la primera revista de historietas de España. Su nombre entró en los diccionarios (como "tebeo", palabra que actualmente está en retroceso frente al préstamo lingüístico del inglés, "comic"). Se dijo que era "el tebeo que dio nombre a todos los tebeos".


 Portada del primer número de TBO. ¿El primer tebeo español? Tal vez no, pero así está considerado


El origen de su publicación es la ciudad de Barcelona de principios del siglo XX... Sí, ya sé que todo eso se mira en la wikipedia...amigos de las conspiranoias: leed El Viejo Topo para temer a la wikipedia... pero está bien dar diferentes versiones con diferentes palabras a lo mismo, para evitar pensamientos únicos y demás peligros... Tengamos en cuenta que existe una cierta efervescencia cultural e industrial en Barcelona por esas épocas. ¿Dije "cierta"? Digamos "real", y olvidémonos de la cultura barcelonesa desde entonces hasta la actualidad.

En esa época, pese al altísimo grado de analfabetismo (en España, un 80%; en Barcelona, que fuera un 60%), lograron éxito varias revistas y periódicos ilustrados, con fotos o con grabados, chistes o caricaturas. No era raro que esa prensa fuera censurada, clausurada, a veces incluso violentamente, como sucede con el caso del Cu-Cut!, revista satírica.. El ataque militar a la sede de la revista tal vez fue el hecho más relevante de la Historia de los partidos políticos en España, puesto que se suele decir que dio origen a los partidos naionalistas no estatales (catalanistas, etcétera). Esta revista criticó mordazmente los fracasos militares de 1898 (guerras de Cuba, Filipinas y Puerto Rico). Y los subsiguentes, que llevarían a la Semana Trágica de 1909, donde mientras los militares de ringorrango, el rey y el resto de la corruptarquía se hinchaba los bolsillos con minas en el Rif y todo eso, pagaban para que sus hijos no fueran a las guerras coloniales; en su lugar iban los hijos de las clases pobres, los cuales se acabaron enfadando e hicieron arder media Barcelona, en especial bienes inmuebles de la Iglesia, cosa nada difícil puesto que cualquier que en el 2010 camine por la zona del Eixample barcelonés verá que cada dos pasos hay o una iglesia o un colegio de curas o de monjas o similar.

En ese ambiente de efervescencia de todo tipo, surgen esas revistas. No me parece extraño que las que se perpetuen o se refloten tras la Guerra Civil 1936-1939 y la dictadura de Franco fueran las revistas infantiles o de humor blanco (TBO, Pulgarcito), aunque tampoco fue sencillo para éstas hasta entrados los años 40.

El caso del TBO, además, tuvo un componente que le permitió una cierta continuidad con las etapas anteriores a la Guerra Civil: sus autores, según parece, eran "de derechas". A veces se suele abstraer la materia ideologica y política de la historieta, error frecuente (¿acaso las últimas sagas de Marvel no suceden debido al 11-S, que apenas fue citado como tal en los años 2001-2002?). Pero existe alguna relación. Y es, como mínimo una curiosidad, que el TBO (Ediciones TBO), con autores conservadores, fuera la competencia directa del Pulgarcito (Editorial Bruguera), que acogió a autores de izquierda, republicanos, de los que habían perdido la guerra, represaliados para ejercer los trabajos que tenían antes del 1939.

En Bruguera se llegó a prohibir el uso de la palabra "tebeo", de uso común, para referirse a sus historietas. Curioso.

Las primeras etapas de TBO ya tienen a sólidos autores gráficos, que lo mismo estaban en "periódichs satírichs" para adultos, con contenido de actualidad política, como haciendo litografías, como cuadros, en tertulias culturales, o dibujando viñetas para el TBO. El más destacado de todos ellos seguramente fue Ricard Opisso, quien colaboró entre 1920 y 1966 (cuando falleció). Rescato unas palabras del propio TBO: "el colaborador más ilustre (...) su auténtica maestría ha influido en casi la totalidad de nuestros dibujantes".

Ya lo he vuelto a hacer... ya me he salido de la década... estamos en los año 20... El estilo de Opisso realmente influye considerablemente tanto a nivel de dibujo como de guión, o de mirada. El TBO se dedicará  mirar a su alrededor e ilustrar imágenes graciosas aunque no necesariamente carcajeantes: hace aparecer detalles de modas y costumbres. "La Playa en tal año"... o en tal otro año (y se puede comparar la evolución de las costumbres en la playa, por un poner)... qué hace la gente cuando va al campo... cómo veranea tal persona... Con el tiempo, esto se afianza en lo que serán historietas extremadamente detalladas sobre algo muy particular: Ejemplo inventado: "Lo que le pasó a fulanito cuando bajó la maleta del tren"... pues se pueden pasar 20 viñetas dispuestas cuatro por cinco, en una única página, con ese aspecto.


Marino Benejam Ferrer (firmaba como Benejam, Ferrer o Rino), desde los años 30, puede ser considerado el más prolífico de los autores. Sobretodo, el más popular. Creará algunas de las escasas series de personaje fijo de esta revista: Eustaquio Morcillón y Babalí o la megaultrapopular Familia Ulises.

Las historietas de la Familia Ulises son las de una familia con padre, madre, abuela, hijo, hija e hija mayor, que van siempre juntos. Es sorprendente, visto desde los años 80 hasta los 10, cómo se podía meter tanta gente, todos hablando a la vez, en unas viñetas tan pequeñas. El guionista de esta serie, y tal vez de otras páginas, fue Buigas, director y jefazo de la revista. La serie se convierte en un icono.

Desde los primeros tiempos surge una serie que sólo tendrá un personaje que la presentará a partir de los años 40 o 50. El personaje es el Profesor Franz de Copenhague (creación gráfica habitual: Benejam). La serie es Los Inventos de TBO. La frase se hará muy popular para ideas estrafalarias: "esto es un invento del tebeo". Pero esos inventos, con sus planos y sus utilidades, pueden ser funcionales, como se ha demostrado cuando se han llevado a la práctica (como en el Museo del Joguet de Figueres... ostras, Figueres, de donde Dalí, que se os tiene que explicar todo con pelos y señales). Varios dibujantes, algunos de ellos, peritos, técnicos o ingenieros idearon inventos. Nit, Tínez, F.Tur, El más recordado por ello es Sabatés.


Es Sabatés quien me permite pasar a los años 90.

El TBO tuvo una larga época gloriosa, desde los años 20 hasta los 70. Entonces se convirtió en TBO 2000, parece ser que para demostrar que tenían 2000 números. Personalmente siempre he considerado que también podría ser por esa sensación de que 2000 invoca el futuro. "Los años 2000", cuando los coches volarían, los zapatos volarían, todo volaría, fiufiufiuuuuu... Se renovaron algunos contenidos. Entraron dibujantes nuevos... pero la revista se dividió por parte del público y de dibujantes: los nuevos y los viejos no se podian ver mutuamente. Triste. Me recuerda lo que pasó en la revista Pilote tras 1968, cuando se acabó orillando a Goscinny (hay que ser muy toooonto para hacer algo así, con el mejor guionista desde Homero). A finale de los años 70, las ventas bajaron, y en 1981 cerraron el tenderete. Podemos decir que se jubilaron. La revista pasó a ser vendida entre 1981 y 1982 como encarte en la revista del corazón Lecturas (una revista que había comenzado a principios de siglo como revista de lecturas variadas, novelitas coleccionables encuadernables, etc.). En esa época, Lecturas aún publicaba una página de chistes gráficos, con participación habitual de Muntañola, dibujante de TBO. Por si alguien cree en casualidades.

En 1986, el fondo de Ediciones TBO había sido comprado por Editorial Bruguera, su máximo rival, monopolio que se hundía bajo su propio peso. Sacaron una nueva revista TBO, radiKalmente nueBa. Naddddda kever. Fue una revista casi underground, dirigida por Joan Navarro (luego director del Saló del Comic de Barcelona, y aún más luego, y ahora, editor de Glénat), en tanto que editor (una especie de subcontrata) de Cairo (revista de línea clara de los años 80, con bastante buena fama). Cairo había recuperado a Coll, autor al que encumbraron como el pionero de la línea clara en España; acto seguido, se suicidó. No es broma. Coll  trabajaba a la obra, donde ganaba más dinero que con los tebeos... eso sí, los editores han estado aprovechándose en reediciones de las estilizadas figuras en movimiento constante y con giros de guión sorprendentes (para historietas que pueden tener 2, 6, 9, o 24 viñetas en una página).

Típica página de Coll, sacada de aquí

La etapa de Bruguera fue brutal: no tenía nada que ver con nada de lo anterior, lo cual es decir mucho, puesto que la cantidad de autores que habían pasado por esa revista es innumerable: Benejam, Nit, Coll, Serra Massana, Sabatés, Tinez, Muntañola (autor de Josechu el Vasco), Bernet Toledano, Urda, , Castanys, Ayné, Díaz, Batllori Jofre, Tha&Tharrats, Esegé, Salvador Mestres, Roldán, Bernal, Blanco y un largo etcétera.


Varios autores en una sola página, que no es de las más abarrotadas que se pueden encontrar en un TBO

El fondo de Bruguera, una vez cerró en 1986, pasó al Grupo Zeta. En 1988 comienza una etapa donde el TBO reaparece mensualmente. Se subtitulada "para todas las edades (incluida la de piedra)". Recupera cosas de etapas anteriores. Un encarte interior titulado "El TBO de siempre" contendrá historietas antiguas. Lo demás será nuevo. Los primeros 20 números, más o menos, serán dirigidos por Víctor Mora (autor del Capitán Trueno). El formato externo recuerda a algunas revistas previas, como Guai! (1985) o Más Madera! De esta última ("Semanario de humor y demás" de la última etapa de Bruguera) se toman autores (Pasqual Ferry y su enigmático El Bosque Encantado... de Konosserl; Alfonso López en El Rollo del Día; Sempere y Navarro actualizan a La Familia Ulises y la convierte en La Familia Rovellón, junto a Sempere). De ahí también recuperan El Rollo del Día (tema que ocupa la contraportada y alguna historieta). Además aparecerán historietas de origen francófono. Posteriormente, y entrados los años 90 ¡por fin! Sabatés (¿alguien recuerda que dije que nos lleva a los noventa?) se hace cargo por completo de los inventos del TBO, que se acabaran conviertiendo en un pasatiempo para montar en páginas centrales, en las páginas del TBO de Siempre. Del primer TBO, por razones de edad, seguramente, perduran apenas Sabatés y Roldán (de los escasos autores que publicaron en TBO y Bruguera a la vez)... Roldán... su firma en El TBO de Siempre... Raf, su nombre en las historietas nuevas. Crea un personaje, Florofo, un futbolero exacerbado (bueno, pasados los años, los he visto peores).

Sobre Sabatés: hacia el 2003, muere primero su mujer y luego él, en un asilo, tras ser su casa embargada. Se hará cargo de él el Col·legi d'Enginyers Industrials de Barcelona, quien editaría un libro con material suyo para sufragar los gastos de la residencia de ancianos. ¿Y nadie persigue a los editores, en este caso, el Grupo Zeta, por usar la imagen, firma y viñetas de este autor durante años y años y no pagarle derechos de autor ni nada?

La etapa del TBO de Ediciones B-Grupo Zeta se llena de series con personaje fijo, algo impensable en el TBO de Buigas. Apenas si se cita alguna vez la etapa del TBO 2000; de La Habichuela, celebrada sección del TBO 2000 no he visto nada en los números que he leído del TBO de Ediciones B (ni por azar, algo aparecería). Los personajes tradicionales tienen algún intento de nueva historieta por parte de dibujantes apócrifos (historietas sin firmar) y protagonizarán algunas portadas, las cuales son realmente llamativas, por su colorido. Es posible que el tipo de portadas y contraportadas procedan de la idea de Más Madera! Cito algunos portadistas habituales Raf, Segura (que ya hacían las portadas de Mortadelo Especial y de Tio Vivo Extra o de Lily, respectivamente, en Editorial Bruguera, con un uso muy interesante del color) Escolano (en la última etapa), Ramis (contraportadista habitual del Rollo del Día, sección iniciada por Vázquez).

Aunque existen esas series de personaje fijo, conforme pasan los números, y durante los años 90, las páginas de chistes temáticos, se harán más habituales. Como ejemplo máximo, la serie "La vida crítica... y la crítica de la vida", guionizada por Jaume Ribera (habitual guionista de Bruguera para historieta policíacas, y para dibujantes com Serna Ramos o Schmidt; así como guionista del Bruguera Equip para Mortadelo y Filemón; y autor de literatura juvenil con sus Flanagan)  y dibujada por Edmond (previamente autor de Doctor Impossible o de Jan Europa, quien no abandona su magistral color) será una doble página con seis tiras de tres viñetas, donde cada tira es un chiste autoconclusivo independiente de los demás. Tal vez sea, junto a El Rollo del Día, la primera serie que denota que hay autores que pretenden seguir con la idea tradicional del TBO, la de mirar alrededor y lanzar un comentario sobre lo que hay. Insisto en que ese comentario no tiene por qué generar carcajadas a mandíbula batiente.


Desde mi punto de vista, la etapa del TBO de Ediciones B-Grupo Zeta, como con el resto de publicaciones, genera mucho ruido y pocas nueces, grandes expectativas y pobres resultados. El caso del primer TBO de Ediciones B sufre lo mismo que el TBO 2000: una brecha insalvable entre las historietas antiguas y las de los nuevos dibujantes de la revista : Annie Goetzinger, Nieto+Usero, Mariel... autores excelentes pero que no acaban de funcionar en la idea TBO. Asimismo, los autores veteranos de Bruguera no realizan precisamente sus mejores obras: bien es cierto que Vázquez lo intenta (Vázquez debe de ser el humorista que más veces aterriza en momentos delicados(en los 50 en Pulgarcito, en 1986 impulsa el Garibolo; en 1988 pone en marcha El TBO; en 1993 lo encontramos en la seguna etapa de Makoki) pero ni Schmidt (Insegurini) ni Rovira (Obseso Pisafondo) ni Raf (Florofo) pegan para el TBO, pese a que perduran hasta el final. En este enlace, una imagen sobre los dos tipos de personajes, los brugueriles y los tbísticos

A mediados de los noventa, la revista es tomada por Ramis (el dibujante más rápido a este lado de la página), quien será acompañado y a veces adelantado por Cera o por el veterano Segura. Como Vázquez dura poco en TBO, supongo que pensaron que lo podría sustituir Ramis, autor que dice que en la editorial gustaba porque era rápido dibujando y entregando, y que en Ediciones B se miraban poco (¿nada?) el material. Juan Carlos Ramis se curra mucho el color de las portadas, y de las páginas interiores en cuanto puede, es decir, intenta seguir con la idea del TBO de calidad de 1988, pese a la salida de la escena de la primera plantilla de dibujantes. Y también consigue lanzar esa mirada cómica y costumbrista por doquier. Por cierto, aparece como malo en Pafman: Agente Cero Cero Patatero (historieta ineludible creada por Cera).


Me interesa hablar sobre Segura. Se trata de un autor humorístico sólo reivindicado ocasionalmente a raíz de su fallecimiento en 2008.

Pero antes haré una referencia a Josep Royo, un dibujante que sólo conozco de esta última etapa del TBO. Aparece en todos los números. Hace una tira que no deja de ser costumbrista y cercana: Tragaperrez, que trata de un individuo obsesionado por las tragaperras. También hace los dibujos de unos versos cómicos que aparecen en la página 3. Sospecho que también hace los textos. Asimismo ilustra (¿pone también los textos? quiero creerlo) la sección Consultorio Sentimental de Doña Filomena, algo que luego hemos visto repetido mil veces en radio y televisión: alguien pregunta algo raro y la respuesta es aún más extrambótica. Este autor parece, de los nuevos, el más integrado en lo que sería la idea tradicional del TBO, autores que hacían su trabajo de forma eficaz pero sin aspavientos.

Segura se nos muestra en El TBO de los años 90 como una evolución de lo que había sido, un gran portadista cuando conviene, esmerado en los colores; un dibujante creador de series de éxito (anteriormente, Rigoberto Picaporte solterón de mucho porte; Los Señores de Alcorcón y el Holgazán de Pepón), y uno de esos autores que marcó un poco el paso en Bruguera (crea el personaje Lily para la revista del mismo nombre). No olvida, sino que se reafirma en sus gags y personajes-tipo de siempre (como ya hizo en Los Muchamarcha's, en 1986, para Guai! tras la salida de Bruguera)... pero Segura también se reiventa y se auto-reivindica. Los últimos números de TBO llega a digerir la idea (no el estilo de dibujo realista y academicista) de Opisso y de Benejam o Blanco, y la rapidez de los más jóvenes Ramis y Cera. Se reinventa creando una serie que es a la vez repetición y parodia de las series de Bruguera y de las series de comic de género familiar en general (family strip): Don Roge y Doña Lisistrata que con sus hijos meten la pata. La propia rima, forzada, ya es un gag en sí mismo: imita y se burla de esas rimas. Algunas de las historietas de una página de esa familia son una evidencia de que aún existe la posibilidad de hacer ese estilo TBO sobre un tema nimio estirado al máximo, aunque con menos viñeta en este caso.

Os pongo sobre antecedentes: en el TBO se están publicando por entonces series sobre familias como Ulises, Rovellón, Blondie o Educando a Papá. En la mayoría de casos, de estas series, de las historietas de estas series y de otras que podáis recordar, es "papá" el que provoca los gags, el que resbala con la piel de plátano, o al que le tiran la tarta de nata. Pues bien, en Don Roge cualquier miembro de la familia es susceptible de meter la pata en el cubo. O, si no, todas las fuerzas físicas o metafísicas, sociales, culturales, o el azar,  se confabulan contra los miembros. En La Familia Ulises suele existir un desencuentro social, una pifia ocasional; pero en Don Roge es todo, y en una página.Existe otra serie más: Fede y sus colegas (dramón urbano por entregas), con dibujos de Edmond y guión de Ribera. Pero su planteamiento es más típico, pese a parecer rompedor: lo que parece querer ser el típico niñato malcriado que no da ni golpe en el insti acaba con una relación tópica entre los personajes familiares, y sus gags suelen estar más vistos que el TBO, ejem.

En este enlace aseguran que se jubiló en 1992, cosa que no explica que publicará hasta finales de la década.

Pero Segura se dedicará a lanzar miradas sobre el entorno, viñetas hirientes sobre todo lo que su lápiz dibuja, y con comentarios sarcásticos. Su última serie, sin personaje fijo, como La Vida Crítica de Edmond y Ribera, serán tiras autoconclusivas sin relación, como si fueran noticias... ¿Noticias? Como si fuera un programa de tele... no cualquier programa, sino uno de reality, o de vídeos caseros o del youtube, o de recortes de prensa de noticias curiosas... sardónico, lo titula Impactos, impactos, impactos, impactos... escrito en la parte superior. Así se llamó cierto programa de éxito longevo: Impactos TV, en Antena 3. Y cada tira acaba en un "tatacháaan", como esas cortinillas musicales de los microespacios televisivos. Mientras que el TBO, y muchas historietas de otras publicaciones, se habían basado en caricaturizar personajes televisivos y hacer chistes del momento que luego pasan de moda, Segura había conseguido destilar ese filón y convertirlo en una serie realmente curiosa. Si alguien recuerda unas páginas tituladas Increíble pero Mentira, publicadas en Bruguera, con dibujos o de Vázquez, o de Ibáñez (sobretodo) o de Domènech, esto sería algo así pero con la cosa de que son sucesos aparentemente reciente y no una mezcla de parodia de curiosidades científícas, históricas o novedosas; todo representa que es nuevo (puesto que son noticias) y tanto el dibujo como los textos de apoyo son mordaces.


Segunda página de un Impactos TBO 105
 
El TBO finaliza su longeva trayectoria en el número 105, con fecha 98-9 (septiembre 1998). En esa época, Segura ya cita Internet en alguna ocasión (memorable para alguien de edad avanzada, y el único autor, con Cera, que lo hace en esos números de la revista; bueno, memorable para cualquier porque incluso Bill Gates se enteró de que existía Internet más tarde), y se cita algo sobre los primeros teléfonos móviles (celulares) en algunos chistes de Cera. La veterana revista cierra sin despedirse: una antigua tradición de las revistas de tebeos españolas.



TBO 105. Portada de Segura
utilizando a los personajes clásicos de Benejam: Eustaquio Morcillón y Babalí

No he puesto muchas imágenes pero el contenido no está mal. Hemos tratado los años 10 y los 90, hemos hablado de Segura y hemos comentado aspectos no siempre conocidos sobre la revista de tebeos clásica del siglo XX.


¡Leelo Completo!
Bookmark and Share
Print